人類對于攝影的嘗試，從19世紀初就開始了，但是最早被留下的影像，要到1825年，法國人尼埃普斯用感光的方式復制了一個17世紀的荷蘭版畫——牽馬人（這張照片在巴黎蘇富比拍賣會上以330000歐元的價格被法國國家圖書館獲得），這是最早的可保存感光影像，而1839年才是國際上公認的攝影技術誕生之年，達蓋爾發明了“銀版攝影法”。在過去的177年的時間，誰也沒有想到攝影竟然成了大眾表達的媒介，重溫這段歷史，要說能報上名字的攝影大家至少也有上百位，但對世界影響最大的就是下面這十位。
法國人，世界著名的人文攝影家，決定性瞬間理論的創立者與實踐者，被譽為“現代新聞攝影之父”。雖說他不是這十位中對于世界攝影影響最大的，但毫不夸張地說，攝影界沒有人不知道布列松的。他的攝影集《決定性瞬間》中提出的攝影美學觀念，特指通過抓拍手段，在極短暫的幾分之一秒的瞬間中，將具有決定性意義的事物加以概括，并用強有力的視覺構圖表達出來。
一個男孩的兩只手里，各抱一個大酒瓶，躊躇滿志地走回家，好像完成了一個光榮而艱巨的任務。照片中的人物，情緒十分自然真實，彰顯出布列松熟練的抓拍功夫。其實他的相機對準的都是我們現實中可見的、熟悉的人和物，是他讓我們發現，在這習以為常中有美和感動。
匈牙利人，二十世紀最著名的戰地攝影記者之一，在五次戰爭(西班牙內戰、日本侵華戰爭、第二次世界大戰歐洲戰場、第一次中東戰爭和第一次印度支那戰爭)中都拍攝了大量非凡的作品，是馬格南圖片社的創辦人，通過倡導保護原始底片的概念以及攝影師對底片的所有權而持續不斷地維護他的業界同仁的權益，他的這種努力給現代新聞攝影工作帶來了革命性的改變。1954年5月25日，在越南采訪第一次印支戰爭時，誤入雷區踩中地雷被炸身亡。
瞬間抓拍一個中槍的西班牙戰士中彈，用槍托著地正在倒下的瞬間，大仰角烘托了悲壯的氣氛，是紀實攝影的經典之作。
一位喜歡探險和周游世界的美國紀實攝影家，1950年出生在美國費城。近30年的攝影生涯中，史蒂芬·麥凱瑞以瑪格南攝影師和《國家地理》雜志記者的身份周游列國，拍出了許多讓人難忘的作品。真正讓他名聲大噪的是表于美國《國家地理》雜志上的著名肖像《阿富汗女孩》。其拍攝手法和取材視角，在當今的肖像攝影領域中，顯然代表了一種具有主流意味的風格，盡管這種拍攝方式偶爾也會引發評論者的爭議，但其作品中體現出來的藝術水準和社會影響力，則是毋庸置疑的。
拍攝于巴基斯坦白夏瓦附近的難民營，她那雙銳利的綠眼睛告訴了我們她悲慘的故事。斯蒂夫關注戰爭對人的影響，習慣用35mm小相機抓拍，其作品的重點不在于表現戰爭場面，而是將焦點對準人，用他的話說，“在紀實人像的拍攝中，我特別喜歡抓取那自然真實的瞬間，人物的臉上鐫刻著他們人生的歷程，甚至可以感受到他們內在的靈魂。”廣大影友倒是可以模仿一下。
美國人，國際公認的當今世界最優秀的攝影師之一，也許你對他的名字可能不太熟悉，但你一定看過他的作品，小至明信片大到聲望顯赫的博物館，他提出的區域曝光理論，是半個多世紀以來攝影科學的基本理論之一。有人曾指出，一旦掌握了這種方法，甚至是初學攝影者也能像經驗豐富的老手一樣，在按下快門之前就能預料到最終得到的照片是什么模樣。雖然在他去世之前還沒有出現Photoshop，但亞當斯已經預見了計算機可以為一幅照片做點什么，他也是“將計算機技術適當地運用于攝影中”的一貫倡導者。
亞當斯的經典作品之一，按照他的理論，一張好的風光作品，里面應該包含11個不同灰度區域的層次，指的就是由黑到白的11個階梯，擁有更多層次的作品會更加耐看。
“我常想，如果我拍了足夠多的照片，我就不會再失去任何人了。事實上，我的照片讓我看到我失去了多”
美國人，十位影響世界的攝影大師中唯一一位女性。她的攝影源于14歲時姐姐自殺帶給她的巨大陰影，她采用“快照”、以“視覺日記”模式記錄自己不能錯過的東西。她說：“快照來自愛，用于記住人們、地點和共同度過的時光。快照是通過記錄歷史來創造歷史。1986年出版為著名的攝影畫冊《性依賴歌謠》，超越一切所謂文化、政治、社會的各式差異，被《紐約時報》在2003年評論為過去20年中最具影響力的藝術畫冊。
看了她的作品之后極其震驚，以至于再看任何新聞紀實的、描寫人物的、敘事性的照相，統統覺得做作。在此之前，拍攝同一題材的還有美國戴安·阿勃絲，也是一位女攝影師，她們的視角和男攝影師完全不一樣，細膩、大膽，真實，開創了一種被稱為“私人紀實攝影”的類型。
“如果說什么是工作動力的話，那就是記錄下人們最美好的神情，并保持其真實性”
美籍加拿大人，一位享譽國際的肖像攝影家。其的肖像照片風格獨特，自成一家，成為后來者必須學習的范本。他使用8×10的大相機、大頁片和結像十分清晰的愛克塔鏡頭，小光圈拍攝。因此，這些照片層次豐富，影紋清晰，質感強烈，皮膚上的紋理、毛孔、胡須歷歷可數。在他的鏡頭下留下過英國文豪蕭伯納、海明威等，還包括12位美國總統。
這幅作品被人們譽為是刻畫人物內心世界的經典，不僅“形似”，而且達到“神似”。作品通過光影造型，表現人物面部特征，特別注重手的作用，總是設法把人物的雙手組織到畫面中，進一步擴大和豐富肖像照片的表現力。在燈光的運用方面，主光和輔光的光比，有時大到1：3，甚至1：4，有時主光僅僅被用來勾勒出人物的輪廓，人物的面孔大部分雖然處在陰影中，但又有豐富細膩的層次。
森山大道喜歡以狗自比，“我以前每天就像一條狗在路上到處排泄似的在街頭各處拍攝照片。”在他的鏡頭里，沒有口號、奇觀和煽情的調調，那些搖晃、粗粒子、不呈現事物完整面貌的照片，臟兮兮的，但又極具沖擊力，全來自于他與街道擦身而過時的整個生理狀態。
“作為攝影家，我所要拍攝的是表象，但事物的表象是各種深層力量的跡象。”
6歲玩相機，14歲把3張照片賣給了紐約現代藝術博物館，17歲成為安迪·沃霍爾的專用攝影師，23歲成為在紐約大都會藝術博物館舉辦個展的首個在世藝術家，35歲做了哈德遜巴德學院攝影系主任……他不牛誰牛，《照片的本質》一書，絕對是有志于研究照片本質的專業攝影家、攝影愛好者以及任何對攝影媒介感興趣者不可或缺的啟蒙讀物。
這個時代，尤其是彩色照片，喧嘩，熱鬧，總想表達趣味、意義、思想、情感……很少能像斯蒂芬·肖爾這樣拍出“空無一物”的彩照。物質層面、描述層面、心理層面、心理模型……《照片的本質》看似說的都是極其精煉的廢話，但這正是照片的本質：世界無物存在；唯有沉默。
匈牙利人，知名度其實并不高，他對攝影歷史的貢獻在于他將自己早期在體育攝影中的動感表現方法運用到了后來的新聞攝影和時尚攝影中，達到了旁人無法企及的高度。同時，還將在攝影室中精心擺布的時尚帶到了富有現實感的室外，在沙灘、在農場、在田野他拍攝了很多具有現實色彩富于動感的作品，是當代快照美學當仁不讓的鼻祖，對時尚攝影的影響持續到1940年代。
“堅持使用一種焦距的鏡頭，你會因此提高很多”
出生于紐約州奧爾巴尼。皮特·特納對色彩有著獨到而深刻的見解，而他對色彩的喜愛更是達到了一種嚴重癡迷的程度。作為彩色攝影方面的先驅，在彩色攝影剛剛興起時，他就開始了這方面的探索，他對色彩、幾何形狀的把握能力超過其他任何攝影師。在他的攝影作品中，冷暖色的鮮明對比是其創作的重要元素，我們不僅可以看到紅色與藍色的突兀沖撞，也可以看到紫色與橙色融合出的地平線。著名攝影評論家A.D.科曼曾經用一句話描述皮特·特納：“他對事件有著劇作家的敏感，照片中強烈的色彩飽和度、獨特的差異性無處不在。”
當眾多攝影大師只拍黑白的時候，Turner在色彩攝影中找到了自己的位置。皮特·特納無疑是“治愈系”色彩攝影大師
