近500年的藝術史，是一段大開眼界又激動人心的歷史，從波提切利、卡拉瓦喬到畢加索，都是各具特色杰出的藝術家，每一位都以極為自我的方式，挑戰了習俗，打破了常規，轉變認知，并改變了我們看待這個世界的方式。我們選出50位著名的藝術家，一起來看一看他們的人生和經歷。（按照藝術家出生年代排序）
波提切利
一、波提切利（1445-1510），15世紀末佛羅倫薩的著名畫家，歐洲文藝復興早期佛羅倫薩畫派的最后一位畫家，意大利肖像畫的先驅者。
波提切利生于一個意大利佛羅倫薩手工業者的中產階級家庭，在15世紀80年代和90年代，波提切利是佛羅倫薩最出名的藝術家。他宗教人文主義思想明顯，充滿世俗精神。后期的繪畫中又增加了許多以古典神話為題材的作品，相當一部分采用的是古希臘與羅馬神話題材。風格典雅、秀美、細膩動人。特別是他大量采用教會反對的異教題材，大膽地畫全裸的人物，對以后繪畫的影響很大?！洞骸泛汀毒S納斯的誕生》是最能體現他繪畫風格的代表性作品。
《春》
達.芬奇
二、達·芬奇（1452-1519年），天才科學家、發明家、畫家，生物學家，與拉斐爾、米開朗基羅，并稱為“文藝復興三杰”。
現代學者稱他為“文藝復興時期最完美的代表”，是人類歷史上絕無僅有的全才，他的杰作《蒙娜麗莎》、《最后的晚餐》、《巖間圣母》等作品，體現了他精湛的藝術造詣。《蒙娜麗莎》現在是巴黎的盧浮宮的三件鎮館之寶之一。
達芬奇是一位天才，他一面熱心于藝術創作和理論研究，研究如何用線條與立體造型去表現形體的各種問題；另一方面達芬奇也同時研究自然科學，為了真實感人的藝術形象，達芬奇廣泛地研究與繪畫有關的光學、數學、地質學、生物學等多種學科。達芬奇的藝術實踐和科學探索精神對后代產生了重大而深遠的影響。
《抱銀鼠的女子》
丟勒
三、丟勒（1471-1528），德國畫家，以版畫最具影響力，自畫像之父。
丟勒主要作品有《啟示錄》、《基督大難》、《小受難》、《男人浴室》、《海怪》、《浪蕩子》、《偉大的命運》、《亞當與夏娃》、《騎士、死亡與惡魔》等。丟勒的水彩風景畫是他最偉大的成就之一，這些作品氣氛和情感表現得極其生動。丟勒作品《亞當和夏娃》，眾所周知，夏娃受到蛇的引誘偷食禁果，遭受懲罰，奠定了女性在社會中的基本地位。
丟勒少年時曾追隨父親習藝，對繪畫表現出特殊的才能，13歲時就能逼真的畫自己的肖像，19歲時丟勒為父親所畫的肖像已充分顯示他成熟的素描功力，可與達芬奇遙相呼應。
阿爾弗雷德·丟勒作為德國最偉大的畫家，他的藝術探索對德國的影響是深遠的。正如有人評論的那樣，“丟勒是德意志的代表民族畫家。丟勒同時又是把意大利文藝復興思想帶進德意志，并開創了德意志民族藝術新紀元的藝術奠基人。”恩格斯也曾高度評價過丟勒，并把丟勒和達芬奇視為是需要巨人的時代所產生的巨人。
《祈禱之手》
米開朗基羅
四、米開朗基羅（1475－1564），和達芬奇不同，米開朗琪羅很多時候是作為雕塑家和建筑家而被記住。
他在屋頂上和墻上描了很多畫，還設計了羅馬的圣彼得大教堂。他最有名的作品是在二十九歲做博士后的時候完成的大衛雕像。是偉大的雕塑家、建筑師、畫家和詩人，與達芬奇和拉斐爾并稱“文藝復興三杰”，米開朗基羅的作品以人物“健美”著稱，即使女性的身體也描畫得肌肉健壯。
不同于充滿深遂智慧之美的達芬奇的藝術，米開朗琪羅的作品以力量和氣勢見長，具有一種雄渾壯偉的英雄精神。在米開朗基羅的雕塑和繪畫中，一個個巨人般的宏偉形象挺立起來，就連米開朗基羅塑造的女性形象，也都具有剛勇的氣概，仿佛是神話中的阿瑪宗女子。
《大衛》
喬爾喬內
五、喬爾喬內（1477-1510），意大利威尼斯畫派畫家，威尼斯畫派中最具抒情風格的畫家。
關于畫家喬爾喬內的生平我們所知甚少，他英年早逝，32歲就告別人世。喬爾喬內的傳世真作大約只有5幅，一生中也僅創作了30余件作品，但喬爾喬內仍不失為盛期文藝復興的繪畫大師之一。喬爾喬內那田園詩般抒情的畫風和對色彩、風景的開拓，以及畫中流露出的人文主義思想，給以后繪畫發展以深刻的影響。
在他的作品中，風景的地位越來越重要，人物似乎融合在奇特光彩的大自然里（《暴風雨》、《三個哲學家》）。喬爾喬內也畫過肖像和《年輕男子像》(Portrait de jeune homme，柏林達勒姆，國家博物館）；《羅拉像》（Portrait de Laura，維也納，藝術史博物館），這些作品以其簡明的技法和綜合力，開創出威尼斯肖像藝術的新時代。
《暴風雨》
喬爾喬內還畫過壁畫（1508年，威尼斯，現已毀壞），創作過宗教題材的作品：《圣母閱讀》（la Vierge lisant，牛津，阿什莫爾博物館）。但他的絕大部分作品是在小塊畫布上作的油畫。這些油畫旨在滿足新一代藝術大眾的需求。他們希望用世俗藝術品裝飾自己的住所，而不愿意資助掛在紀念館或教堂的大型繪畫。
拉斐爾
六、拉斐爾（1483-1520），意大利杰出的畫家，和達芬奇、米開朗基羅并稱文藝復興三杰，也是三杰中最年輕的一位。
拉斐爾謝世時年僅37歲，但由于他勤勉的創作，給世人留下了300多幅珍貴的藝術作品。拉斐爾的作品博采眾家之長，形成了自己獨特的風格，是手法主義的代表人物，也代表了當時人們最崇尚的審美趣味，成為后世古典主義者不可企及的典范。
拉斐爾代表作有油畫《西斯廷圣母》、壁畫《雅典學院》等。拉斐爾潛心研究各畫派大師的藝術特點，并認真領悟，博采眾長，尤其是達芬奇的構圖技法和米開朗基羅的人體表現及雄強風格，最后形成了其獨具古典精神的秀美、圓潤、柔和的風格，成為和達芬奇、米開朗基羅鼎足而立的文藝復興三杰。
《西斯廷圣母》
在繪畫史上像拉斐爾這樣被神化的畫家絕無僅有。達芬奇在構圖表現出卓越才華，米開朗基羅則是素描方面的天才，拉斐爾一面吸收同代前輩畫家的優點，一面在構圖素描、色彩和創意等各方面發揮出近乎完美的卓越才能。
提香
七、提香·韋切利奧（1490—1576），被譽為西方油畫之父，是意大利文藝復興后期威尼斯畫派的代表畫家。
提香·韋切利奧早期作品受拉斐爾和米開朗基羅影響很深，以后提香的作品比起文藝復興鼎盛時期畫家的作品，更重視色彩的運用，對后來的畫家如魯本斯和普桑都有很大的影響。
提香·韋切利奧是威尼斯畫派最偉大的畫家，也是文藝復興時期在色彩方面最有成就的大師，相傳他以90歲的高齡告別人世。在提香·韋切利奧漫長的一生中，幾乎取得了與米開朗基羅平分秋色的盛名。雖然提香·韋切利奧并無盛期文藝復興三杰那樣的博學多才，但他在色彩方面的造詣和絕技，是無人可以與之匹敵的。
《佛羅拉（花神）》
丁托列托
八、丁托列托（1518-1594），16世紀意大利威尼斯畫派著名畫家。
師從于提香門下，作品繼承提香傳統又有創新，在敘事傳情方面突出強烈的運動，且色彩富麗奇幻，在威尼斯畫派中獨樹一幟。
在他全部藝術生涯過程中，他善于闡釋其他藝術家的畫意，并從中吸取家有益的影響，而融入自己更高的藝術風格之中。他從托斯卡納（Tuscan）的畫中，尤其是從米開朗基羅（Michelangelo）的畫中，都吸取了有益的畫意特色而提高自己繪畫的格調。從16世紀中期起，他開始與提香爭奪威尼斯藝術界的首席地位而奮斗。
《銀河的起源》
丁托列托是威尼斯畫派的代表人物。丁托列托曾在提香畫室學畫，在那里，他學會了老師的繪畫技巧，然而，他是一位富有獨創性的藝術家，佛羅倫薩手法主義有兩種趨向，一是反古典的傾向，二是優美雅致的傾向。丁托列托要把這兩種傾向合二為一。
卡拉瓦喬
九、卡拉瓦喬（1571-1610），意大利16世紀末至17世紀初的一位著名的畫家。出生在北意大利倫巴底省的卡拉瓦喬村，因此人們稱他卡拉瓦喬。
他是當地樣式主義的代表畫家，繼承了意大利北部現實主義民俗畫的傳統，并受到威尼斯畫派的影響。在米蘭期間，卡拉瓦喬肯定看過達芬奇的《最后的晚餐》，無疑熟悉文藝復興時期大師們的藝術，他的藝術生涯是在意大利文藝復興盛期的諸大師相繼逝世后開始的。1593年到1610年間卡拉瓦喬活躍于羅馬、那不勒斯、馬耳他和西西里?？ɡ邌掏ǔ１徽J為屬于巴洛克畫派，對巴洛克畫派的形成有重要影響。
《圣馬太蒙召》
卡拉瓦喬生活貧困，與勞動者為伴，性格暴躁、孤傲寡合、狂放不羈，很難與人相處，這種個性使他處于流浪作畫境地，在一次爭斗中因誤殺了對手而被迫離開羅馬到那不勒斯過著流浪的生活，卡拉瓦喬到處與不理解他的人發生矛盾沖突，常因斗毆受到法庭審判，坐牢、逃跑、作畫，使他永遠處于社會底層，正因如此，卡拉瓦喬對底層勞苦大眾的生活和形象更加熟悉，觀察理解更加深刻，這為卡拉瓦喬革新傳統藝術，創造新藝術形象，使普通平凡的勞動者走進神圣的藝術殿堂提供了難得的生活基礎，為他開創了一個藝術的新紀元。
雖然卡拉瓦喬在世時聲名顯赫，死后的幾個世紀里卻被人們完全遺忘了，只是在20世紀的最近幾十年才被重新發現。盡管卡拉瓦喬影響了風格主義衰亡后幾乎所有的藝術風格，但對新興的巴洛克藝術才是真正影響深遠的。安德烈·貝恩-若夫魯瓦（保羅·瓦樂希的秘書）評論道：“坦率地說，卡拉瓦喬的工作標志著現代繪畫的開始?！?/span>
魯本斯
十、魯本斯（1577-1640），巴洛克畫派早期的代表人物。他是歐洲第一個巴洛克式的畫家。他的繪畫著眼于生命力與感情的表達，華麗的巴洛克風格是我們理解整整幾百年藝術發展的重要資料。他一生的豐富閱歷，充分展現在他多彩多姿的創作中。他的肖像畫技巧完美，引人入勝。
魯本斯一生的創作中，主要是宗教神話題材，他在基督教題材的創作中，不可避免要受到教會的制約，但在神話題材創作中，就可以自由發揮自己的藝術個性。魯本斯從威尼斯大師們那里獲得色彩造型的啟迪，在自己的創作中，色彩藝術得到了盡善盡美的發揮，已經超過了他所尊重的威尼斯畫派的成就。
魯本斯一生創作極為豐盛，作品多具有宏大的場面，強烈的運動感，雄健的造型，富有想象力和戲劇性情節；對比鮮明、響亮飽滿的色彩；流動的線條、激動人心的畫面藝術效果，給人以一種富麗堂皇、華美火熱、歡騰鼓舞的藝術感受。
魯本斯的繪畫對佛蘭德斯以及整個西方繪 畫的發展，具有重大意義，17世紀后期巴黎的法國皇家美術 學院就出現了一批魯本斯主義者。18～19世紀法國畫家華托、德拉克洛瓦、雷諾阿和英國畫家雷諾茲、康斯特布爾等都在不同程度上受到過他的影響。
《騎馬的萊爾公爵肖像》
委拉斯凱茲
十一、委拉斯凱茲（1599-1660），是文藝復興后期西班牙最偉大的畫家，弗朗西斯科·戈雅認為委拉斯凱茲是自己的“偉大教師之一”，他對印象派以及后來的畫家都影響很大。
委拉斯凱茲的作品原來大部分收藏在馬德里的博物館中默默無聞，在1811年法國入侵西班牙的戰爭中，委拉斯凱茲的作品才被外界所了解。
委拉斯凱茲是一位現實主義的畫家，他通常只畫所見到的事物，所畫的人物，幾乎能走出畫面；委拉斯凱茲也畫過一些宗教畫，但其中的神像宛如人間，充滿緊張和痛苦的表情；委拉斯貴支畫的馬和狗充滿活力。
《教皇英諾森十世肖像》
委拉斯貴支的大量肖像畫都堅持寫實原則，并且注重刻畫人物的精神面貌?？上У氖钱嬅娴臍夥者^于和平，與史實有明顯的差別，但這并沒有影響這幅作品的價值。對統治階級的代表人物如《腓力四世像》，重在表現其虛偽、冷漠和淺薄，決不阿諛奉承。對于朋友和處在社會底層的勞動者，如《拿扇子的婦人》、《矮子安東尼奧》，則被描繪得平易近人，有的還具有社會批判色彩。
1651～1660年是委拉斯貴支生活的最后10年，由于當局在對他授勛問題上有爭論，使他情緒極不愉快，但仍創作了不少好作品。代表作《宮娥》（又名《宮女群》）和《紡織女》，被認為是17世紀歐洲少見的現實主義代表作，也證明委拉斯貴支雖然長期擔任宮廷畫家，但始終未失去平民的本色。
倫勃朗
十二、倫勃朗（1606-1669），是17世紀荷蘭最偉大的畫家之一，作品題材廣泛，擅長肖像畫、風景畫、風俗畫、宗教畫、歷史畫等。
倫勃朗一生留下600多幅油畫，300多幅蝕版畫和2000多幅素描，以及100多幅自畫像。
倫勃朗青年時期就已經聲明鵲起，可以說是少年得志。14歲進入萊頓大學；17歲去阿姆斯特丹向歷史畫家拉斯特曼學畫；1627年21歲時倫勃朗已經基本掌握油畫、素描和蝕刻畫的技巧并發展了自己的風格，回家鄉自己開畫室招徒作畫，期間畫了許多自畫像。
從1640年代開始，倫勃朗經常到鄉村漫步和作畫，創作了許多反映大自然的素描和版畫，風格質樸。1661年是倫勃朗作畫最多的一年，創作了包括素描、油畫、版畫在內的大量作品。1663年以后倫勃朗作畫較少，此時他結交了許多中下階層的市民，眼界更為開闊，技巧更為成熟，創造力達到頂峰。
倫勃朗生命中苦難的轉折點是從他的名作《夜巡》開始的，在繪制《夜巡》的過程中，倫勃朗固執的想要打破當時的傳統，他的這種做法在當時并不被世人所接受，從此以后，找他訂畫的人越來越少，畫家的生活也逐漸變得潦倒。
《夜巡》
倫勃朗的油畫一貫采用“光暗”處理手法，即采用黑褐色或淺橄欖棕色為背景，將光線概括為一束束電筒光似的集中線，著重在畫的主要部分。這種視覺效果，就好像畫中人物是站在黑色舞臺上，一束強光打在他的臉上。法國19世紀畫家兼批評家弗羅芒坦稱倫勃朗為‘夜光蟲’，還有人說他用黑暗繪就光明。
倫勃朗對光的使用令人印象深刻，他獨到地運用明暗，他靈活地處理復雜畫面中的明暗光線，用光線強化畫中的主要部分，也讓暗部去弱化和消融次要因素。倫勃朗這種魔術般的明暗處理構成了他的畫風中強烈的戲劇性色彩，也形成了倫勃朗繪畫的重要特色。
維米爾
十三、維米爾（1632-1675），荷蘭最偉大的畫家之一，但卻被人遺忘了長達兩個世紀之久。
維米爾1632年出生于德爾夫特（Delft）一個小業主家庭，1675年卒于同地。維米爾的作品大多是風俗題材的繪畫，他的畫往往只有一兩位人物，一般是從事著家務勞動的婦女。維米爾的畫整個畫面溫馨、舒適、寧靜，給人以莊重的感受，充分表現出了荷蘭市民那種對潔凈環境和優雅舒適的氣氛的喜好。維米爾在藝術風格上也別具特色，他的繪畫形體結實、結構精致，色彩明朗和諧，尤善于表現室內光線和空間感。
維米爾曾經被人忘卻達兩個世紀之久，后來才被“發現”。18世紀的大多數傳記作家都把他忽略了。到了19世紀，注意維米爾的人顯然多起來；自20世紀以來，研究維米爾的人就更多了。以前，維米爾屈尊排在荷蘭小畫家之列；而今，他的地位扶搖直上，同哈爾斯和倫勃朗并列為荷蘭三大繪畫大師。
維米爾的生前并不為人所知，但他的作品卻不會被人遺忘。1866年維米爾被法國評論家托爾重新發現。在維米爾生活的年代里，德爾夫特對他的創作持歧視的態度。但維米爾死后不久，好幾代對繪畫感興趣的富有收藏家認為，維米爾的作品一直有著巨大的價值。這表現在：無論何時，維米爾為數不多的作品中的任何一幅畫，只要面市，旋即引來贊譽且訂價頗高。
《擠奶女工》
夏爾丹
十四、夏爾丹（1699-1779），是洛可可藝術風格最具代表性的畫家之一，也是18世紀法國孕育出的最偉大畫家之一。同時，他也是西洋美術史上的靜物畫巨匠之一。
夏爾丹還是是使極受狄德羅稱贊的畫家之一。夏爾丹擅長靜物油畫，也擅長風俗油畫；并且試圖通過靜物畫來反映城市平民的生活趣味，通過風俗畫來反映城市平民和善、友好、勤勞、儉樸的美好品德。
《鰩魚》
夏爾丹的畫風平易、樸實，具有平和親切之感，反映了新興市民階層的美學理想。他的大量靜物畫都追求裝飾效果和表面趣味，能賦予靜物以生命，給人以動感；夏爾丹所描繪的均為市民家庭日常生活用品，他的風俗畫受小荷蘭畫派影響，但思想內容更深刻，善于把人物形象和生活環境聯系起來。
18世紀下半葉，在法國洛可可美日益興旺的同時還出現了另一種風格傾向----平民寫實主義美術。平民寫實主義與洛可可美術同樣反對遠離生活的古典主義，同樣熱衷于反映現實生活。但是，前者只面向社會上層，表現封建貴族和新興資產階級追求浮華享樂的審美情趣，而后者面向的是社會中下層，表現普通市民的日常生活和自然、親切、樸實的審美情趣；前者突破了17世紀法國藝術只滿足于君王口味的狹小范圍；而后者則進一步突破了洛可可藝術只滿足于上層貴族欣賞趣味的局限，使藝術更進一步走向了民主。
弗朗索瓦·布歇
十五、弗朗索瓦·布歇（1703-1770），法國畫家，1703年9月29日生于法國巴黎，1770年5月30日去世。
布歇是洛可可風格畫派的忠實的擁護者，擅長創作一些田園風格的作品，此外，有時候也創作一些人物肖像畫。
弗朗索瓦·布歇的父親是皮鞋設計師，或許可以這樣說。布歇早年曾被父親派去跟隨弗朗索瓦·勒穆瓦納（Francois Lemoyne）短期習畫，并同華托有過密切接觸。1727-1731年，布歇留居羅馬，從裝飾風格畫家提埃波羅和阿爾巴尼（Albani）等人的作品中汲取了很多經驗。1755年，布歇開始擔任皇家織造廠（Goblins Factory）總監，1765年之后，布歇充任為宮廷畫師，并成了蓬巴杜夫人（Mme de Pompadour）的繪畫教師和最受寵幸的畫家。
弗朗索瓦·布歇是18世紀最典型的裝飾畫家的代表，作品體現了洛可可的風格特征。布歇敢于大膽的運用色彩，作品大都光彩艷麗，但是不會感覺到輕浮。
《蓬巴杜侯爵夫人》
托馬斯·庚斯博羅
十六、托馬斯·庚斯博羅（1727-1788），庚斯博羅于1727年生于英國薩?？丝さ囊粋€羊毛商家庭，他的母親是一個靜物畫家，因此他早期接受了良好的藝術教育，后又在法國畫家格霍夫洛特那里做助手并與海曼共事過一段時間。
托馬斯·庚斯博羅與同時代的喬舒亞·雷諾茲爵士相媲美。庚斯博羅善于捕捉繪畫對象的特點，他運用色淡而經常閃爍的色彩和松散的筆觸在他的作品中營造出一種自發性和新鮮感。庚斯博羅最著名的作品有《藍色男孩》、《西登斯夫人》、《晨間漫步：威廉·哈利特和他的妻子伊麗莎白》。
《藍色男孩》
托馬斯·庚斯博羅出生于薩福克郡的薩德波里。14歲時，庚斯博羅前往倫敦學習素描和雕刻。1746年他結婚，1750年左右定居于伊普斯維奇。1759年庚斯博羅移居時尚勝地巴斯，并很快成為當地的肖像畫領袖。庚斯博羅還在那畫了許多精美的風景畫。庚斯博羅是皇家學院（創立于1768年）的36位創始成員之一。
雅克-路易·大衛
十七、雅克-路易·大衛（1748-1825），法國大革命時期的杰出畫家，新古典主義的開創者和奠基人。
雅克-路易·大衛出生于巴黎的一個五金商家庭，9歲時家庭發生變故，父親被殺，母親離家出走，年幼的大衛由皇家磚瓦匠的叔父撫養，在親友幫助下被送到法國洛可可藝術風格畫家弗朗索瓦·布歇那里學畫，布歇發現大衛的氣質與自己的洛可可風格不一致，就將他轉到皇家美術院教授約瑟夫·馬里·維恩門下。
雅克-路易·大衛并不屬于才華橫溢那種類型的畫家，相反，他個性沉默寡言，喜歡思考，不太合群，缺少典雅，使人感到少年老成，大衛以驚人的毅力和勤奮刻苦精神，認真地學習過尼古拉斯·普桑、布歇、讓·巴蒂斯特·格勒茲和卡拉瓦喬。
雅克-路易·大衛最初的創作都是從古希臘羅馬的傳說和藝術中尋求美的源泉和理想，把古代英雄的品德和藝術樣式視為審美的最高標準。大衛認為，古代是當代畫家的學校，它是當代畫家藝術創造取之不盡的源泉。
后來由于接觸到一些反封建的革命黨人，如雅各賓黨的領導人羅伯斯庇爾等，雅克-路易·大衛在政治思想和藝術觀念上產生了一些變化，創作了一些富有時代精神的作品。從這時起大衛就勇敢地站在時代的高度，用自己的藝術為反封建斗爭服務，逐漸走進現實主義潮流。雅克-路易·大衛說過：“藝術必須幫助全體民眾的幸福與教化，藝術必須向廣大民眾揭示市民的美德和勇氣”。從此，大衛把藝術作為反封建的戰斗武器使用，作為戰士登上了畫壇和政壇。大衛在這個時期的代表作品是《賀拉斯兄弟宣誓》。
《賀拉斯兄弟宣誓》
大衛給后輩的藝術家留下了寶貴的經驗和教訓。大衛曾說過一些激勵人心的話，至今對我們藝術創造仍有教育意義，他說：“繪畫不是技巧，技巧不能構成畫家。”他還說：“拿調色板的不一定是畫家，拿調色板的手必須服從頭腦”。這些都成為畫家的箴言。
伊麗莎白·路易絲·維瑞
十八、伊麗莎白·路易絲·維瑞（1755-1842），作為革命時代的女畫家，她是受到整個歐洲歡迎的人。
因為父親是肖像畫家，她從早年就畫畫，據說十五歲時她的畫已經能用相當可觀的價格賣出。她和當時很有聲望的美術商勒布倫結婚，這樣可以研究店里搜集的古典美術，技巧越發提高。二十三歲已經是美術院成員，這時她出入宮廷，曾畫過幾幅路易王朝紅極一時的女性瑪麗·安東奈特的肖像。
勒布倫夫人的作品《畫家和她的女兒》很有名。她去意大利旅行前，有一天，無意中在鏡中發現她的愛女抱著她的脖頸的姿態，馬上就開始畫這幅畫，極其自然生動地表現出母親和孩子的關系，是一幅誰都喜歡的畫。但是若看這幅作品，就會認為勒布倫夫人的藝術，繼承了路易王朝瀟灑優雅的洛可可藝術的傳統，而不能說是革命時代、帝政時代的新興藝術。
《畫家和她的女兒》
布瓦伊
十九、布瓦伊（1761-1845），法國畫家，擅長油畫、石版畫。路易斯·利奧波德·布瓦伊是歷史上第一位使用石版畫的畫家。
路易斯·利奧波德·布瓦伊出生在一個雕刻世家，父親是一位雕刻家，布瓦伊自幼從父學藝，24歲來到巴黎。法國大革命期間，路易斯·利奧波德·布瓦伊畫過不少反映現實社會具有諷刺意味的畫和宣揚倫理道德的畫，而被視為有政治傾向的畫家，他因畫過一幅《馬拉的勝利》，而成為共和派藝術家協會會員。
路易斯·利奧波德·布瓦伊作為畫壇著名的肖像畫家和風俗畫家，善畫小型群像和風俗畫，由于他對現實生活敏銳的觀察和具有熟練的古典藝術技巧，使他的人物造型纖巧、真實生動而受到巴黎人的歡迎。
《桌球》
透納
二十、透納（1775-1851），被譽為英國繪畫史上的天才人物。感覺敏銳，富于幻想，充滿浪漫主義氣質。
為了讓自己的作品驚世駭俗、不同凡響，透納在創作時，幾乎把一切富于戲劇性和震撼人心的效果都融進畫里，常常使人們為他敏妙的才華和不同凡響的筆意贊嘆不已。
從威廉·透納的作品中我們總是感受到大自然的崇高、壯麗和無比的威力，感受到創作滿腔激情。透納常常表現的是天光水色渾然一體，云、霧、水融會其中的景象。透納用耀眼光線、燦爛的色彩、大膽奔放的用筆描繪出充滿力量、速度和運動氛圍感的繪畫作品，在我們眼前展現了一個動蕩不安、炫人眼目的世界。
透納的風景畫絕不是忠實于對象的寫生之作，而是帶有強烈主觀愿望、想象和戲劇性的夸張作品。透納不是為畫風景而創作，是為表達感情而創作。透納的風景畫簡直就像中國的大寫意作品。
威廉·透納的油畫、水彩畫技巧純熟精湛，他用筆揮灑，有流動感，善于用光，他筆下的景色常常沐浴在明亮的光線之中。透納用光并不像倫勃朗，倫勃朗的光線是逐漸減弱最后融在陰影之中，而透納的光卻是逐步純化，最后變為一片明亮的光輝。透納對畫面虛實的處理也別具一格，產生出動人的畫面效果。
《蒸汽和速度》
安格爾
二十一、安格爾（1780-1867），法國畫家。自小父親就培養他對藝術的興趣，那時，他非常熱衷追求原始主義。由于他用功、認真，17歲的安格爾已經是一個很好的畫家了。
當時，大衛正擔任拿破侖的首席畫師。1834—1841年，他再度赴羅馬，深刻地研究了文藝復興時期意大利古典大師們的作品，尤其推崇拉斐爾·桑西。經過達維特和意大利古典傳統的教育，安格爾對古典法則的理解更為深刻，當達維特流亡比利時之后，他便成為法國新古典主義的旗手，與浪漫主義相抗衡。
作為19世紀新古典主義的代表，安格爾代表著保守的學院派，與當時新興的浪漫主義畫派對立，形成尖銳的學派斗爭。安格爾并不是生硬地照搬古代大師的樣式，他善于把握古典藝術的造型美，把這種古典美融化在自然之中。他從古典美中得到一種簡煉而單純的風格，始終以溫克爾曼的“靜穆的偉大，崇高的單純”作為自己的原則。
他的繪畫吸收了15世紀意大利繪畫、古希臘陶器裝飾繪畫等遺風，畫法工致，重視線條造型，尤其擅長肖像畫。在具體技巧上，“務求線條干凈和造型平整”，因而差不多每一幅畫都力求做到構圖嚴謹、色彩單純、形象典雅，這些特點尤其突出地體現在他的一系列表現人體美的繪畫作品中，如《泉》、《大宮女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。
安格爾的聲譽如日中天時，也正是古典主義面臨終結，浪漫主義崛起的時代，他和新生的浪漫主義代表人德拉克羅瓦之間發生許多次辯論，浪漫主義強調色彩的運用，古典主義則強調輪廓的完整和構圖的嚴謹，安格爾把持的美術學院對新生的各種畫風嗤之以鼻，形成學院派風格。
《菲里伯特·里維耶夫人》
柯羅
二十二、柯羅（1796-1875），法國畫家，一生堅持旅行寫生。幾乎走遍了法國，還到過荷蘭、瑞士、英國和意大利。曾被選為沙龍評選委員會委員。
柯羅目睹了美術史上的古典主義、浪漫主義、現實主義的興衰，直至印象派的興起。因而在柯羅的身上染上了各個時代的混合色彩與藝術風格的因素?？铝_的一生就像是一首才華橫溢的優秀詩篇。
讓·巴蒂斯特·卡米耶·柯羅曾兩次去過意大利，三次游瑞士，到了荷蘭、英國，最后進入巴黎郊區的楓丹白露森林，與巴比松畫家們共享自然寫生的樂趣。成為一個在藝術上獨具奇趣的風景畫家。巴比松畫派是指19世紀60年代，在巴黎郊外的巴比松村，一群年輕的畫家，常常在楓丹白露森林里進行創作。盧梭、米勒和柯羅是其中重要的成員。
讓·巴蒂斯特·卡米耶·柯羅的風景畫，在色彩運用方面，用的最多的是銀灰色和褐色調子，因這類色彩具有寧靜感，能使燦爛的陽光或彌漫的晨霧展現得更富詩意。熱愛自然是畫風景的首要條件。柯羅十分熱愛大自然，他曾說：“藝術就是，當你畫風景時，要先找到形，然后找到色，使色度之間很好地聯系起來，這就叫做色彩。這也就是現實。但這一切要服從于你的感情?！?/strong>這簡短的幾句話，也許正是柯羅的風景畫的全部秘密所在。
同盧梭、米勒等巴比松派畫家一樣，柯羅在對大自然的謳歌中，展現了自己溫柔多情的性格?？铝_畢生徜徉在大自然中，著意臨摹自然界的神奇與妙曼，他將大自然造化的一切進行藝術的再現?？铝_的風景畫，盡顯自然之美、田園之美，既融合了古典主義的典雅，又蕩漾著理想主義的浪漫，還蘊涵著現實主義的真切。柯羅被公認為是19世紀最偉大的風景畫家之一。
《芒特楓丹的回憶》
米勒
二十三、米勒（1814-1875），19世紀法國最杰出的以表現農民題材而著稱的現實主義畫家、法國巴比松派畫家。以鄉村風俗畫中感人的人性在法國畫壇聞名。米勒是法國最偉大的田園畫家。
米勒創作的作品以描繪農民的勞動和生活為主，他用新鮮的眼光去觀察自然，具有濃郁的農村生活氣息。
羅曼·羅蘭在所著的《米勒傳》指出：“米勒，這位將全部精神灌注于永恒的意義勝過剎那的古典大師，從來就沒有一位畫家像他這般，將萬物所歸的大地給予如此雄壯又偉大的感覺與表現”。
米勒在巴黎貧困潦倒，亡妻的打擊和窮困壓得他透不過氣來。為了生存，他用素描去換鞋子穿，用油畫去換床睡覺，還曾為接生婆畫招牌去換點錢，為了迎合資產者的感官刺激，米勒還畫過庸俗低級的裸女。有一次米勒聽到人們議論他說：“這就是那個除了畫下流裸體、別的什么也不會畫的米勒?！边@使他傷透了心。從此他下決心不再迎合任何人了，堅決走自己的藝術道路。
1849年巴黎流行黑熱病，米勒攜家遷居到巴黎郊區楓丹白露附近的巴比松村，這時米勒已35歲。在巴比松村米勒結識了柯羅、盧梭、特羅容等畫家，在這個窮困閉塞的鄉村，米勒一住就是27年之久。米勒對大自然和農村生活有一種特殊的深厚感情，他早起晚歸，上午在田間勞動，下午就在不大通光的小屋子里作畫。米勒的生活異常困苦，但這并沒有減弱他對藝術的酷愛和追求，他常常由于沒錢買顏料就自己制造木炭條畫素描。米勒愛生活、愛勞動、愛農民，他曾說過：“無論如何農民這個題材對于我是最合適的。”米勒在巴比松的第一幅代表作品是《播種者》 。以后相繼創作了《拾穗穗》和《晚鐘》等名作。
《晚鐘》
萊昂·熱羅姆
二十四、萊昂·熱羅姆（1824-1904），法國畫家，與布格羅同時代的法國學院派畫家，畫功扎實。1824年5月11日出生于Vesoul（上索恩）。
讓·萊昂·杰羅姆通過畫斗雞來提高自己的繪畫技術。在一個學術活動上，練習著描繪一幅以那不勒斯灣為背景，一個落體的年輕人和一個身披輕盈褶皺裙子的女孩，還有兩只斗雞的場景。他在1874年將這幅畫送給了沙龍美術展，在那里他獲得了三等獎章。這項工作被視為新希臘運動，是形成格萊爾工作室縮影的原因（如比埃爾皮庫（1824—1895）和路易斯哈蒙），是由具有影響力的法國評論家戈蒂埃支持的項目。
《米開朗基羅》
杰羅姆實現了他贏得羅馬大獎的夢想并且利用這一獎項促使他一夜成名。他的作品《圣母與基督和圣約翰和阿那克里翁》、《酒神和愛神》在1848年獲得了沙龍第二級金牌。1849年他創作了《米開朗基羅》（現為私人藏品）和《一位女士的肖像》。
畢沙羅
二十五、畢沙羅（1830-1903），印象派的發起人之一，也是印象派最年長的畫家，印象派展覽最積極的參加者。畢沙羅心地善良，富于同情心，有頑強的忍耐精神，具有樸實無華的平民氣質。
畢沙羅曾受到柯羅較大的影響，常常描繪大自然的景色，也非常喜歡畫米勒式的農婦，表現農家的生活情趣。他的作品有一種毫無矯揉造作的天然魅力，故他被人稱為“印象派的米勒”。
畢沙羅生性隨和，易為新鮮事物所吸引，很容易接受別人的影響，每當他發現更為新穎的畫法，總是很快應用在自己的作品中。他年輕時除受到柯羅的影響外，米勒、庫爾貝等人的畫風也在他的創作中出現過。后來莫奈典型的印象派風格給予了畢沙羅決定性的影響，使他在不斷改變畫風后最終保持了印象派的風格，并以此風格畫出了許多優秀的作品。19世紀80年代以后，他的風格又屢經變化：忽而受到修拉的科學主義觀點的影響，加人新印象派的行列；忽而受英國拉斐爾前派畫家的那種感傷畫風的影響；忽而又為新藝術運動裝飾風格所動心。經過一段時間的摸索，最后他所嘗試過的各種風格和手法，終于匯集成一種淳樸、敦厚而柔和的印象派風格。
畢沙羅的主要作品有《喝牛奶的農家女》、《蒙馬特大街》、《蓬杜瓦茲的庭院》、《雨中的法國歌劇院廣場》等等。
《蒙馬特大街》
馬奈
二十六、馬奈（1832-1883），19世紀印象主義的奠基人之一，1832年出生于法國巴黎。他從未參加過印象派的展覽，但他深具革新精神的藝術創作態度，卻深深影響了莫奈、塞尚、凡高等新興畫家，進而將繪畫帶入現代主義的道路上。
受到日本浮世繪及西班牙畫風的影響，馬奈大膽采用鮮明色彩，舍棄傳統繪畫的中間色調，將繪畫從追求三元次立體空間的傳統束縛中解放出來，朝二元次的平面創作邁出革命性的一大步。
馬奈受過良好教育，養成一副紳士派頭，自視清高，熱情奔放，不受拘束，追求獨立自由，他反對保守，同情進步，維護共和主義，具有自發革命意識。19歲參加過革命暴動，還曾和德加、巴齊依參加過國民自衛軍，年輕畫家巴齊依陣亡。他同情巴黎公社起義，還被選為公社藝術家聯盟委員，這些都是他對自由的忠誠和浪漫的激情所致。當他把全部渴望自由的生命和熱情轉向藝術時，他在繪畫中開辟了一個新時代。29歲的馬奈在沙龍展出《西班牙吉他演奏者》，在巴黎畫壇上嶄露頭角。他的畫具有古典造型基礎，又有明亮鮮艷、光與色的整體表現，仍保持著形象的真實感。
31歲時，在落選沙龍展出《草地上的午餐》，在巴黎引起軒然大波，并遭到拿破侖三世和輿論的攻擊。而左拉卻肯定他的藝術。馬奈總是以古典的高貴氣質和華麗美艷的印象派色彩一直交融在自己的畫中。1882年沙龍展出了他生前最后一幅作品《福利·貝熱爾的吧臺》，因而獲得極大成功，官方授予他“榮譽團勛章”。病中的馬奈說：“這實在太晚了?！钡诙甑?月30日，馬奈永遠離開了他熱愛的光和色的世界。
《草地上的午餐》
普基廖夫
二十七、普基廖夫（1832-1890），普基廖夫是俄國19世紀60年代最有聲望的風俗畫家。1863年他還是莫斯科繪畫雕刻建筑學校的應屆畢業生時，就展出了名作《不相稱的婚姻》。
19世紀60年代，俄國出現許多揭露社會黑暗，對被損害和被污辱者表示深切同情的優秀繪畫作品，《不相稱的婚姻》是其中杰出的代表。畫面以近景特寫人物構圖，集中表現一位風燭殘年的將軍娶一位少女為妻的情節，而這一丑惡的行為恰恰是在莊嚴的教堂中舉行。畫家揭示了這種病態的婚姻和卑劣的社會交易以及對婦女的摧殘。
《不相稱的婚姻》
據說畫中新娘正是畫家的未婚妻，新娘背后那位雙手交叉在胸前，用審視、嚴峻、譴責的目光注視這幕人間丑劇的人就是畫家自己。這幅畫問世時，當即遭到官方的反對，表面理由是畫中人與真人大小等同，這只有在歷史畫中才允許。實際上是它刺痛了官僚貴族的心，擊中了丑惡制度的要害。當時進步批評家斯塔索夫就指出：“此畫好不容易才得到官方的承認，畫中沒有火災，沒有殺戮，畫的只是在教堂里神父畢恭畢敬地給灑滿香水的將軍--活的木乃伊，與為了官銜與金錢而出賣自己青春的哭泣的姑娘舉行結婚儀式?！?/strong>普基廖夫為失去未婚妻而痛心疾首，一直到死都難以忘懷這次沉重打擊。
德加
二十八、德加（1834-1917），印象派重要畫家。埃德加·德加出身于金融資本家的家庭，德加的祖父是個畫家，因此德加從小就生長在一個非常關心藝術的家庭中。
德加對素描有天生的愛好，他喜歡纖細、連貫而清晰的線條，認為這種線條是高雅風格的保證和達到他所傾慕的那種美的唯一方法。線條成了他的欲望。在線的運用上，德加達到了所有安格爾的弟子及其追隨者沒有一個能夠企及的、妙筆生花的地步。
但很快，德加銳敏的理智使他覺察到一股新的藝術氣流，那就是“現實主義”。但這種理論主張放棄古希臘的美的理想，而代之以樸實、真摯地表現所見的事物。為了接近美的理想而又不脫離現實，德加創作手法就是運用干凈的線條和運用明暗的技巧。如果要描繪現實，就必須使手法服從形象的個性化，這就是畫肖像畫。德加青年時期的肖像畫準確地表現了他對素描的信仰、優異的技巧、細膩的感覺的過分的循規蹈矩。
《舞臺上的舞女》
克拉姆斯柯依
二十九、克拉姆斯柯依（1837-1887），巡回展覽畫派的發起人和組織者，19世紀下半葉俄國著名的畫家和藝術評論家。
他是俄國藝術史上的重要人物，是獨立藝術組織（包括巡回展覽畫派和圣彼得堡藝術家組織）的創始人和精神領袖。列賓是他的學生。
克拉姆斯柯依主張繪畫應具有民族性和思想性?？死匪箍乱赖乃囆g見解和創作活動，曾對巡回展覽畫派有過重要影響，他認為繪畫必須具有民族性和思想性。他在《俄羅斯藝術之命運》一文中，闡述了他的藝術觀點。他說：“我認為藝術不可能是別樣的，它只能是民族的?！彼J為藝術作品中最主要的是思想內容，他說:“我們要在表達光、色、氣氛方面不斷努力,然而要做到不失去藝術家最寶貴的品質──良心。”他告誡青年畫家不要因為迷戀形式而有損于內容。俄羅斯19世紀后期有名的藝術家如,列賓、亞羅申科等，都稱克拉姆斯柯依為老師，對他十分尊重。
克拉姆斯柯依代表作有《無名女郎》、《山林看守人》、《無法慰藉的悲痛》等，不僅具有時代感和高度的美學價值，而且從當時的社會道德現狀出發，描繪了正在覺悟的農民和知識分子在真理與誘惑之間抉擇的思想斗爭。
《女士畫像》
塞尚
三十、塞尚（1839-1906），法國著名畫家，后期印象畫派的代表人物，是印象派到立體主義派之間的重要畫家。從19世紀末便被推崇為“新藝術之父”，作為現代藝術的先驅，西方現代畫家稱他為“現代藝術之父”或“現代繪畫之父”。
他對物體體積感的追求和表現，為“立體派”開啟了不少思路，其獨特的主觀色彩大大區別于強調客觀色彩感覺的大部分畫家。
雖然塞尚曾受到當時占繪畫主流地位的印象派的影響，對光線照射到不同質地表面上的效果有所光住，但他始終堅持對物體結構和實體感的關注，并于1877年放棄了印象主義。塞尚早期大多以寫實的手法，真實且疑難的情景作為繪畫的題材。晚年畫風有所改變，留下了多幅溫和，光明并富含古典注意莊嚴氣息的風景及景物畫。
他的作品大都是他自己藝術思想的體現，表現出結實的幾何體感，忽略物體的質感及造型的準確性，強調厚重、沉穩的體積感，物體之間的整體關系。有時候甚至為了尋求各種關系的和諧而放棄個體的獨立和真實性。
從塞尚開始，西方畫家從追求真實地描畫自然，開始轉向表現自我，并開始出現形形色色的形式主義流派，形成現代繪畫的潮流。塞尚這種追求形式美感的藝術方法，為后來出現的現代油畫流派提供了引導，所以，其晚年為許多熱衷于現代藝術的畫家們所推崇，并尊稱他為“現代藝術之父”。畢生追求表現形式，對運用色彩、造型有新的創造，被稱為“現代繪畫之父”。
《圣維克多山》
莫奈
三十一、莫奈（1840-1926），法國畫家，印象派代表人物和創始人之一。莫奈是法國最重要的畫家之一，印象派的理論和實踐大部份都有他的推廣。
莫奈擅長光與影的實驗與表現技法。他最重要的風格是改變了陰影和輪廓線的畫法，在莫奈的畫作中看不到非常明確的陰影，也看不到突顯或平涂式的輪廓線。
莫奈是印象主義的創始人之一，是印象主義大師中最有影響的一位。在有代表性的印象派畫家中，唯有莫奈以其86歲的漫長人生始終如一的將創作熱情傾注在印象派技法上。其他的印象派畫家，都是短期的探索者。比如雖然沒有參加過印象派八次畫展卻被視為印象派的領袖和奠基人的畫家馬奈。再比如擅長于畫人物的雷諾阿在他的藝術人生中，前期和后期是從事印象派探索時期，中間十幾年的時間里，則將熱情轉向了古典主義。
莫奈常?？梢詮钠胀ǖ娘L景中挖掘其魅力。莫奈觀察景物細致入微，對光線的變化十分敏銳。莫奈可以就同一處場景畫出十幾幅作品。如《谷堆》《睡蓮》等。而這僅僅是為了表現同一場景的不同天氣、光線下的不同表象，這是其他畫家很難做到的。
莫奈像個隱士，有時有很強的孤獨感。這一方面由于他的性格使然，他生性沉默寡言，喜愛思索；另一方面，因為莫奈是印象派中的先行者，當他不得不單槍匹馬奮力前行的時候，自然有一種寂寞寥落的感覺。
《睡蓮》系列之一
羅丹
三十二、羅丹（1840-1917），歐洲雕塑史上的地位如同歐洲文學史上的但丁。他是新時代雕塑的開拓者，又是古典雕塑的集大成者，他用那雙古典主義訓練出來的手叩開了現代雕塑的大門。
羅丹的革新和馬奈與莫奈等人在繪畫領域中的創新有相似之處，他不再像傳統雕塑那樣精雕細刻，面面俱到，而是采用了似完成非完成的手法，有時讓作品像草圖一樣生動自然，給人留下想象的余地。他在雕塑中追求運動感，形體表現的凹凸變化與光影關系，追求作品的內在生命力以及雕塑的戲劇性和文學性。他像一個做加法的雕塑家，常常從零開始，用一塊塊的泥條逐個疊加，塑造出栩栩如生的形象。這些形象生動而富于內在的精神氣質，真實而不拘泥于具體的解剖結構。他不再追求傳統雕塑那種完美和肖似，著重強調表現個人的感受。
羅丹出生于巴黎一個不太富裕的家庭，從小熱愛美術，14歲開始跟隨古典派藝術家學習藝術。以后三次投考美術學院均落選，只好一邊工作一邊自學。1864年跟隨著名的動物雕刻家巴墾學習，并首次展出作品“塌鼻人”。1875年訪問意大利，他十分贊賞米開朗基羅的藝術，并從中受到很大的啟發。1878年他展出了重要作品“青銅時代”，引起轟動。從此以后他的雕塑作品不斷問世，創作了許多獨具風格和富有個性的作品。這些作品使他獲得榮譽，也有部分作品遭到人們的非議。如“巴爾扎克像”就被訂件人拒絕接受，并遭到各方的諷刺和嘲笑。
雷諾阿
三十三、雷諾阿（1841-1919），雷諾阿是法國畫家，最初與印象畫派運動聯系密切。
他的早期作品是典型的記錄真實生活的印象派作品，充滿了奪目的光彩。然而到了（18世紀）80年代中期，他從印象派運動中分裂出來，轉向在人像畫肖像畫中去發揮自己更加嚴謹和正規的繪畫技法。
在所有印象派畫家中，雷諾阿也許是最受歡迎的一位，因為他所畫的都是漂亮的兒童，花朵，美麗的景色，特別是可愛的女人。這些都會立刻把人吸引住。雷諾阿把從他們那里所得到的賞心悅目的感覺直接地表達在畫布上。他曾說過：“為什么藝術不能是美的呢？世界上丑惡的事已經夠多的了?！彼€是女性形象的崇拜者，他說 “只有當我感覺能夠觸摸到畫中的人時，我才算完成了人體肖像畫。”
他的人體油畫不同于以前學派畫家所追求的那樣虛偽和做作。雷諾阿的女人體，洋溢著一種歡樂與青春的活力，一個個都象是伊甸樂園里從未嘗過禁果的夏娃，她們悠然自得，魅力惑人。
《紅磨坊街的舞會》
列賓
三十四、列賓（1844-1930），出生在俄羅斯士大夫哈爾科夫省的楚古耶夫鎮。父親是一個屯墾軍軍官。
全家人在屯墾地辛勤農作，童年的列賓親身體會到了生活的貧困與艱難。在田埂中，列賓也不只一次親眼目睹了囚犯如何被驅趕著由此經過，這些印象成為他日后創作的素材。但列賓的繪畫才能是受到了在畫坊當學陡的表哥影響。表哥時常給他帶回一些紙張、顏料、畫筆，耳濡目染，列賓逐漸對油畫著了迷。
從19世紀70年代開始，列賓形成自己民主主義題材和現實主義的繪畫風格。他認為農民應該成為重點的表現對象。他創作了極具表現力和震撼力的風俗畫《伏爾加河纖夫》。列賓當時憑借另一副著名作品《雅魯女兒的復活》獲大金質獎章。
《伏爾加河纖夫》
1873年至1876年，伊里亞·葉菲莫維奇·列賓獲美術學院津貼，到意大利和法國旅居，并熟知了古代和當代西歐各流派的藝術。在此期間，列賓創作了《巴黎的咖啡館》、《薩特闊在水晶宮》、《維爾的運石馬》、《巴黎郊區》、《捕魚女》、《巴黎的蒙馬特大道》等眾多多幅風俗和風景畫。
伊里亞·葉菲莫維奇·列賓在90年代深受象征主義的影響，繪畫風格也明顯借鑒了印象主義畫派的外光效果。其中作品《多么自由》和《果戈理焚稿》明顯具有象征主義的傾向。當時的俄羅斯正處于革命時期，列賓也創作了許多描寫當時情景的作品，如《紅色葬禮》、《在沙皇的絞架附近》、《驅散示威游行》、《1905年10月17日的示威游行》等。
由于在1917年俄國發生十月革命，列賓居住的圣彼得堡郊區被劃歸芬蘭。雖然列寧和伏羅希洛夫曾盛情邀請他回國，但那時的列賓已到晚年，體弱多病，最終在芬蘭去世。
亨利·盧梭
三十五、亨利·盧梭（1844-1910），法國卓有成就的偉大畫家也是法國后期印象派畫家。盧梭生于法國西北部的拉瓦爾市。父親朱利安·盧梭是馬口鐵工匠。
青年時期他當過軍樂隊隊員，后離開巴黎做了海關官員。1885年在亨利·盧梭在香·埃呂西沙龍展出處女作，1886年亨利·盧梭的作品《狂歡節之夜》參加獨立派展覽。此后盧梭平均每年都有5幅以上作品展出。盧梭用那純真無瑕的眼睛去觀察世界和感受生活的真諦，這使他的畫具有強烈而鮮明的個性。
《狂歡節之夜》
盧梭常被人稱為“原始主義”畫家。因為他筆下那浸潤著幻想色彩的熱帶叢林風光，人與野獸間充溢著溫情的對視，和一種似夢非夢的神秘情調，很容易將人引向對一個遙遠的古老時代的“回憶”。濾去原始時代血與火的殘酷，留存的只是天真，稚拙，寧靜與生命的單純。這位都市里的“土著”（他一生未離巴黎）就生活在這個只屬于他的想像的世界里。正如他自己所說，夢的單純的力量，支配著我的景物。
“他沒有發現新大陸，他生來就住在新大陸”。后來無論具象的達利還是抽象的米羅，超現實主義畫家都發現了這片新奇的土地，都是盧梭風格的延續。而那一顆臻于美善境界的自由的心靈，那一種與生俱來隨風而逝的天真，卻從這不再是新奇的土地上永遠消逝了。
亨利·盧梭畫的主題包羅萬象，除了巴黎市郊，還有手法率真直接的人像，瑰麗的寓言性作品，花卉、尤其是一批富異國情調的大幅幻想式作品，這些作品是他常逛巴黎的公園、植物園、動物園所激發出來的。
亨利·盧梭的創作熱衷于創造一個幻想的世界，他的藝術很難歸到哪一派，但他的畫法屬超現實主義。盧梭似乎總是生活在一個夢幻的世界，這種與生俱來的愛幻想的天真性格，在他的日常生活中也充滿天真爛漫，他的畫具有原始童話般的魅力有畫評價：
亨利·盧梭秉有詩人的氣質。他可不是表現晨光暮色時的幽密的夢境，而是抉發大自然要蘊藏的生氣。
高更
三十六、高更（1848-1903），法國后印象派畫家、陶藝家、雕塑家及版畫家。高更同塞尚、梵高并稱為法國后印象主義的三大畫家，盡管他們各自走上自己獨立的人生和藝術道路。
保羅·高更厭倦歐洲文明和工業化的社會，對傳統藝術的優美典雅也相當反感，他向往原始和自然的生活。保羅·高更希望在原始民族、東方藝術和黑人藝術中尋找一種單純率真的畫風，創造出既有原始神秘意味又有象征意義的藝術。
保羅·高更在對原始和土著民族的藝術作了一番研究之后，開始將對象的輪廓形體加以簡化，使用強烈鮮明的大色塊，采用單線平涂的手法，形成了一種平面的具有原始意味的藝術風格。保羅·高更還在作品中寄予了對人生及藝術的深刻思索，賦予作品以象征意義。保羅·高更在藝術追求中雄心勃勃，自視甚高，經常以一個指導者的身份出現。保羅·高更的藝術在單純和原始性方面取得了一定的成就。像塞尚和梵高一樣，高更也擺脫了模仿自然的傳統，在繪畫中表現了個人主觀的愿望和追求。
像塞尚和梵高一樣，保羅·高更也是一位極其孤獨的藝術家，他為自己的希望和夢想而努力工作，卻很難為人所理解。高更放棄現代文明，在原始民族中尋找單純和率真的藝術，追求藝術的象征性和神秘感，為以后各種原始主義和象征主義藝術開拓了道路。
蘇里科夫
三十七、蘇里科夫（1848-1916），俄羅斯畫家，巡回展覽畫派，俄羅斯現實主義畫家。
瓦西里·伊萬諾維奇·蘇里科夫生于1848年1月24日，卒于1916年3月19日，是俄羅斯歷史上的畫壇乃至藝術領域的先驅人物，具有著很大的創新精神，對俄羅斯的藝術做出了很多的貢獻。瓦西里·伊萬諾維奇·蘇里科夫擅長創作一些巨幅的畫作，以及一些壁畫的繪制。瓦西里·伊萬諾維奇·蘇里科夫的很多作品都被俄羅斯列為了國家知名的藝術品。
瓦西里·伊萬諾維奇·蘇里科夫出生在西伯利亞的一個小鎮，在他死后，由于對藝術做出了很多的貢獻，人們為了懷念這位偉大的藝術家，表達對這位藝術大師的崇敬之情，所以，在他的家鄉開辦了一間瓦西里·伊萬諾維奇·蘇里科夫紀念館。由他的兩個孫子負責管理日常的事務。1869年——1871年期間，瓦西里·伊萬諾維奇·蘇里科夫來到了皇家藝術學院跟著老師學習了繪畫，之后在1877年的時候，來到了莫斯科，并在那里生活了下來。很快遇到了心愛的姑娘，兩人之后不久便走進了婚姻的殿堂。
瓦西里·伊萬諾維奇·蘇里科夫的妻子的爺爺是當時的一名革命運動黨人，在當地有著很高的威望。
《火槍手行刑日的清晨》
梵高
三十八、梵高（1853-1890），荷蘭后印象派代表性畫家。
梵高1853年3月30日生于津德爾特，早期因為表達內心的悲痛，曾割斷了自己的耳朵。梵高1890年7月29日在法國瓦茲河畔因困擾其多年的精神病發作自殺身亡。
梵高早年經商，后熱衷于宗教，1880年以后開始學習繪畫。梵高曾在巴黎結識貝爾納、西涅克和高更等畫家。梵高早期作品受印象主義和新印象主義畫派影響，代表作有《食土豆者》、《塞納河濱》等。梵高曾兩次在咖啡館和飯館等地向勞工階層展出自己的作品。不久厭倦巴黎生活，來到法國南部的阿爾勒，開始追求更有表現力的技巧；同時受革新文藝思潮的推動和日本繪畫的啟發，大膽探索自由抒發內心感受的風格，以達到線和色彩的自身表現力和畫面的裝飾性、寓意性。
梵高的作品多采用點彩畫法，畫面色彩強烈，色調明亮。后來受到革新文藝思潮的推動和日本繪畫的啟發，大膽的探索、自由地反悔內心感情的風格，追求線條和色彩自身的表現力，追求畫面的平面感、裝飾性和寓意性。梵高的作品中包含著深刻的悲劇意識，強烈的個性和形式上的獨特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳躍和扭動。
梵高摒棄了一切后天習得的知識，漠視學院派珍視的教條，甚至忘記自己的理性。在梵高的眼中，只有生機盎然的自然景觀，他陶醉于其中，物我兩忘。梵高視天地萬物為不可分割的整體，他用全部身心，擁抱一切。
《食土豆者》
薩金特
三十九、薩金特（1856-1925），美國畫家，是當時肖像畫的領軍人物之一。
薩金特一生創作了大約900幅油畫、2000多幅水彩畫和無數的炭筆素描。約翰·辛格·薩金特因心臟病于1925年4月14日在英國逝世。薩金特的一生主要是在歐洲活動。
約翰·辛格·薩金特1856年出生于佛羅倫薩（Florence），薩金特的母親是一位業余藝術家，他的父親是一位醫學插畫家。在母親的鼓勵下，年輕的薩金特開始學習繪畫。
約翰·辛格·薩金特早期作品主要受印象主義風格的影響，后來又學習西班牙畫家委拉斯貴支的風格，薩金特后來的肖像畫受到委拉斯貴支和哈爾斯繪畫的很大影響。在薩金特的肖像畫中，許多地方可以看到用較稀的顏料所畫出的長筆觸。
約翰·辛格·薩金特是位極其嚴肅的藝術家，他強調畫家要始終保持敏銳的觀察力，要在畫面處理上大膽舍去一切不必要的東西。雖然薩金特的成就隨著他的去世而一度為人們所忽視，但后來又逐漸為人們所公認，一與惠斯勒一起成為英美繪畫史上的代表人物
《比埃爾·高魯特夫人肖像》
蒙克
四十、蒙克（1863-1944），具有世界聲譽的挪威畫家，他的繪畫帶有強烈的主觀性和悲傷壓抑的情調。蒙克是現代表現主義繪畫的先驅。
畢加索、馬蒂斯就曾吸收他的藝術養料，德國和法國的一些藝術家也從他的作品中得到啟發。他對心理苦悶的強烈的，呼喚式的處理手法對20世紀初德國表現主義的成長起了主要的影響。
蒙克是一位具有多方面才能和獨特風格的畫家。他從十七歲立志從事藝術創作，到1944年1月以八十歲高齡去世的六十三年間，創作了一千七百多件油畫作品、大量的素描和速寫習作，以及八百件不同主題的版畫，多彩的技法，洋溢強韌精力。
蒙克的藝術作品，給我們感受最強烈的特征，是他透過風景、勞動者、肖像和自畫像，深刻地表現了從生的不安到愛的焦慮，以及死的恐懼到生的受容。他的繪畫同樣具有丹麥劇作家易卜生的冷峻和透入人心的影響力；而他執意刻畫生命的愛欲痛苦與死亡恐懼，反映北歐人對生命的焦慮感。我們從蒙克的繪畫中，可以感受到人面對無法抵擋的性的力量時之無助，生命的神秘、性的焦慮替代美學上的浪漫式的恐懼。
《吶喊》
馬歇爾·杜尚
四十一、馬歇爾·杜尚（Marcel Duchamp，1887～1968）出生于法國西北部的一個小鎮，杜尚家6個孩子，其中馬歇爾在家排行第三，他的兩個哥哥先后成為了頗有成就的藝術家。家庭中深厚的藝術氛圍促使馬歇爾·杜尚走上藝術道路，并最終成為了一名影響西方藝術歷史進程的關鍵人物。
馬歇爾·杜尚是現成品藝術的創始人之一，他認為“藝術正在被拿來作為一種符號的形式，如果你愿意這么認為的話，不可以再把它降低到裝飾的功能上去?！倍派械姆磦鹘y藝術以及對傳統美學挑戰的思想，在他的現成品藝術作品中得到了充分的體現。這些作品不僅開闊了藝術實踐者的視野，拓寬了藝術題材的范圍，而且有益于避免美學品位的偏狹、美學標準的僵化，實現藝術作為人類精神的慰藉與拯救功能。
杜尚終其一生都在反對純粹悅人耳目的作品，他認為藝術不光是關注視覺經驗，更關注人的靈魂；一件藝術作品不僅通過藝術家的手來完成，更重要的是藝術家心靈的選擇與決定。1913年26歲的杜尚完成了《自行車輪子》這件現成品藝術作品的制作。杜尚找來現成的自行車輪子和凳子，然后他將車輪固定在凳子上，自行車的輪子用手一撥就可以自由地轉動。轉動中，自行車輪子的速度越來越快，一根根在輪子中起支撐作用的鋼筋慢慢從一根根線轉變成為一個面，然后隨著速度的變慢，又重新回到一根根的鋼筋。這種荒誕主義的表現形式，既簡單，但又讓人感覺到動態雕塑的魅力。
馬蒂斯
四十二、馬蒂斯（1869-1954），二十世紀最偉大的善于運用色彩的畫家，野獸派的代表人物。他也是一位出色的雕塑家，他是現代派雕塑的先驅者之一，其雕塑作品追求簡潔、結實的風格。以使用鮮明、大膽的色彩而著名。
馬蒂斯認為藝術有兩種表現方法，一種是照原樣摹寫，一種是藝術地表現。他主張后者。他說：“我所追求的，最重要的就是表現…．我無法區別我對生活具有的感情和我表現感情的方法?！?/strong>
馬蒂斯一生都在做著實驗性探索，在色彩上追求一種單純原始的稚氣。他向東方藝術吸取了許多平面表現方法，畫面富于裝飾感。在學習東方藝術的過程中，他從原來追求動感、表現強烈、無拘無束的觀點，漸漸發展成追求一種平衡、純潔和寧靜感。他后來自己評價自己的作品說：我的作品“好象一種撫慰，象一種穩定劑，或者象一把合適的安樂椅，可以消除他的疲勞”，馬蒂斯認為無論是和諧的色彩或不和諧的色彩，都能產生動人的效果，他還認為，色彩的選擇應以觀察、感覺和各種經驗為根本，色彩的目的，是表達畫家的需要，而不是看事物的需要。
晚年的馬蒂斯通過彩色剪紙來試驗色彩關系。他的藝術達到極其簡練，帶有平面裝飾性。然而他的偉大之處正在于超越狹小的裝飾天地,從而創造了“大裝飾藝術”的概念。
亨利·馬蒂斯是20世紀野獸派大師，馬蒂斯與畢加索一樣，享有20世紀天才畫家的盛名。但是馬蒂斯并不是一位多產的畫家，因此他的作品就顯得更加珍貴，成為藝術愛好者和收藏家搜尋的珍寶。
《藍衣女子》
蒙德里安
四十三、蒙德里安（1872-1944），荷蘭畫家，抽象風格派最核心的人物，風格派運動幕后藝術家和非具象繪畫的創始者之一，對后代的建筑、設計等影響很大。
蒙德里安出生于荷蘭中部的阿麥斯福特，成長在一個嚴格信奉加爾文教的家庭。他的父親是一位業余畫家，而叔父則是職業藝術家。良好的家庭教育給了他直接的藝術啟迪。
蒙德里安早年畫過寫實的人物和風景，后來逐漸把樹木的形態簡化成水平與垂直線的純粹抽象構成，從內省的深刻觀感與洞察里，創造普遍的現象秩序與均衡之美。他崇拜直線美，主張透過直角可以靜觀萬物內部的安寧。晚年移居紐約，大幅度擴展創作領域，對建筑、工藝和設計產生很大影響,他融合了過去不同時期作品風格加以延伸，色彩、線條呈現輕快的律動，畫面的音樂性在此達到最高境界。蒙德里安是幾何抽象畫派的先驅，與德士堡等組織“風格派”，提倡自己的藝術“新造型主義”。認為藝術應根本脫離自然的外在形式，以表現抽象精神為目的，追求人與神統一的絕對境界，亦即今日我們熟知的“純粹抽象”。
荷蘭美術史上的三大畫家，是17世紀的林布蘭特，19世紀的梵高，20世紀的蒙德里安。但是在蒙德里安去世的1944年，他的出生地僅有少數人了解他的藝術，荷蘭的美術館僅有十二件蒙德里安的作品，其中兩件是購入的，十件則是捐贈的。不過隨著蒙德里安的藝術地位后來逐漸受到重視——他被譽為20世紀少數擁有重要地位的畫家之一，荷蘭的美術館也開始重金購藏他的畫作，海牙市立美術館日前就收藏有他的油畫與素描達二百五十幅之多。近年來世界各地重要美術館先后舉辦有關蒙德里安的回顧展，追索他藝術進展的腳步，更加肯定他的重要性與作品的價值。
杜菲
四十四、杜菲（1877-1953），出生于法國諾曼底的勒阿弗爾，14歲輟學進入一家咖啡進口公司工作，業余上美術夜校，23歲時獲得一筆可觀獎學金赴巴黎波拿巴路美術學院入博納畫室學畫。
1901年他入選法國藝術家沙龍，展出《勒阿弗爾的黃昏》。那時盧浮宮大師們的藝術令他害怕，真正和他商討藝術的是凡·高。當他1905年看到了亨利·馬蒂斯的《華麗·寧靜與快樂》一畫時說道：“在這幅畫前我懂得了全部繪畫道理以及它存在的意義，看到素描和色彩所反映出來的神奇想像力，印象派的寫實主義失去了對于我的魅力。”從此他放棄了早期風格成為野獸派中的一員大將。
《賽船》
杜菲是位快樂的畫家，他愉快地觀察、想像和創作，從不放棄感覺世界的真實性，他能通過作品描繪自己內心的活動。他以大量的方塊、長方形、三角形和卵形，意到筆隨地組織和展現觀察的魅力。在他的作品中，所有的物象都具有清晰的輪廓、動勢和節奏，但又都是藝術的真實，而非自然真實。畫家通過線條和顏色，直接向我們傳達他的個性和感情。他的畫。不是通過所畫對象本身去訴說，而是通過再創造的藝術形象感染觀者。
畢加索
四十五、畢加索（1881-1973），出生在西班牙馬拉加（Malaga），是當代西方最有創造性和影響最深遠的藝術家之一，立體畫派創始人，畢加索和他的畫在世界藝術史上占據了不朽的地位。
畢加索是位多產畫家。據統計，畢加索的作品總計近 37000 件，包括：油畫1885 幅，素描7089 幅，版畫20000 幅，平版畫6121幅。
巴勃羅·畢加索是個不斷變化藝術手法的探求者，印象派、后印象派、野獸派的藝術手法都被他汲取改選為自己的風格。畢加索的才能在于，他的各種變異風格中，都保持自己粗獷剛勁的個性，而且在各種手法的使用中，都能達到內部的統一與和諧。
畢加索有過登峰造極的境界，他的作品不論是陶瓷、版畫、雕刻都如童稚般的游戲。在畢加索一生中，從來沒有特定的老師，也沒有特定的子弟，但凡是在二十世紀活躍的畫家，沒有一個人能將畢加索打開的前進道路完全迂回而進。也正因此畢加索是一位真正的天才。
畢加索完成的作品統計約多達六萬到八萬件，在繪畫、素描之外，也包括雕刻、陶器、版畫、舞臺服裝等造型表現。在畢加索1973年過世之后，世界各大美術館不斷推出有關他的各類不同性質的回顧展，有關畢加索的話題不斷，而且常常帶有新的論點，仿佛他還活在人間。
《夢》
夏加爾
四十六、夏加爾（1887-1985），白俄羅斯裔法國畫家、版畫家和設計師。
夏加爾的作品依靠內在詩意力量而非繪畫邏輯規則把來自個人經驗的意象與形式上的象征和美學因素結合到一起。
夏加爾幾乎一直工作到他生命的最后一刻。他的油畫色彩鮮艷，別具一格，每每把猶太民間傳說融入作品，并從自然界天真樸實的形象中汲取素材。馬克·夏加爾是一位追求天真純樸，從俄國鄉下猶太居民到巴黎的畫家。馬克·夏加爾歷經立體派、超現實主義等現代藝術實驗與洗禮，發展出獨特個人風格，在現代繪畫史上占有重要的地位。
夏加爾的畫主要是表現俄國猶太人的生活，他本人也一直與猶太文化和宗教保持著密切的聯系。夏加爾說：“如果我還是一個猶太人的話，那么我就決不會成為一個畫家，可能成為一個和今天的我完全不同的人……我在生活中的唯一要求不是努力接近倫勃朗、戈萊丁、丁托列托以及其他的世界藝術大師，而是努力接近我父輩和祖輩的精神”。
1941年，研究超現實主義創始人的安德烈·布雷東指出：從1911年起，夏加爾的藝術便推翻了形貌成分和規律的障礙。1985年3月28日，馬克·夏加爾在法國濱海阿爾卑斯圣保羅去世。
《生日》
米羅
四十七、米羅（1893-1983），西班牙著名畫家、雕塑家、陶藝家、版畫家，胡安·米羅同時也是超現實主義的代表畫家。
米羅從小就對于大自然的風景非常熱愛，對于自己成長的地方更是如此。畫畫對于安靜及敏感的米羅來說，似乎是一種習以為常的工作。由于受到對天文熱愛的父親的影響，米羅的作品中常常會出現日月星辰等符號，同時，米羅也有著對藝術的敏銳，女人、小鳥、太陽、星星等都是米羅常用的符號和題材。
米羅的代表作為1957年到1959年間創作的兩項陶壁作品——太陽和月亮之壁。米羅是二十世紀繪畫大師，超現實主義繪畫的偉大天才之一。米羅藝術的卓越之處，并不在于他的肖像畫或繪畫結構，而是他的作品有幻想的幽默——這是其中一個要素。另一個卓越之處就是，米羅的空想世界非常生動。他的有機物和野獸，甚至他那無生命的物體，都有一種熱情的活力，使我們覺得比我們日常所見更為真實。
《哈里昆的狂歡》
達利
四十八、達利（1904-1989），西班牙超現實主義畫家和版畫家，達利是一位具有非凡才能和想像力的藝術家，以探索潛意識的意象著稱。
1982年西班牙國王胡安·卡洛斯一世封他為普波爾侯爵。與畢加索、馬蒂斯一起被認為是二十世紀最有代表性的三個畫家。
他是一位具有卓越天才和想象力的畫家。在把夢境的主觀世界變成客觀而令人激動的形象方面，他對超現實主義、對20世紀的藝術做出了嚴肅認真的貢獻。
達利的一生充滿了傳奇色彩。除了他的繪畫，他的文章、口才、動作、相貌以及胡須均給欣賞他的人們留下了撲朔迷離的印象。達利年輕時在馬德里和巴塞羅那學習美術，曾兼收并蓄多種藝術風格，顯示出作為畫家的非凡技能。但是，直到20世紀20年代末期，才由兩件事情促使其畫風日臻成熟。一是他發現了弗洛伊德的關于性愛對于潛意識意象的重要著作；二是他結交了一群才華橫溢的巴黎超現實主義者，這群藝術家和作家努力證明人的潛意識是超乎理性之上的“更為重大的現實”。
《記憶的永恒》
安迪·沃霍爾
四十九、安迪·沃霍爾（1928-1987），被譽為20世紀藝術界最有名的人物之一，是波普藝術的倡導者和領袖，也是對波普藝術影響最大的藝術家。
安迪·沃霍爾大膽嘗試凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技術、照片投影等各種復制技法。沃霍爾除了是波普藝術的領袖人物，他還是電影制片人、作家、搖滾樂作曲者、出版商，是紐約社交界、藝術界大紅大紫的明星式藝術家。
安迪·沃霍爾的名字幾乎是波普藝術的同名詞，1928年，安迪·沃霍爾出生于美國賓州的匹茲堡，1945年到1949年之間就讀于卡內基科技工程學院(Carnegie Institute of Technology)，畢業后即以平面藝術家之姿在廣告界中大放異彩。安迪·沃霍爾的作品早于1952年就在紐約嶄露頭角，并于1956年得到廣告人夢寐以求的“藝術總監會賞”(Art Director’s Club Award)大獎。
少年時候的沃霍爾已是個鋒芒畢露的藝術學生，在師長的鼓勵下，決定到紐約這個藝術熔爐一闖。最初只為書刊負責插圖設計工作，但很快便在紐約流行藝術界打響名堂，最出眾的風格是透過絲網印刷手法和不斷重復影像，將人物化成視覺商品，代表作包括《瑪麗蓮·夢露》、《金寶罐頭湯》、《可樂樽》、《車禍》、《電椅》等，這些作品都在沃霍爾開辦的紐約影樓（The Factory）中，經一些業余助手大量生產和復制，大規模生產總是沃霍爾的流行藝術觀中不能或缺的指標。至六一年，沃霍爾已被譽為是繼達利及畢加索后另一位前衛藝術界名人，不論是一卷廁紙或一個廁板，只要蓋上他的印章，隨即便時髦起來！
《瑪麗蓮·夢露》
懷斯
五十、懷斯（1917-2009），美國20世紀最偉大的畫家之一，20世紀世界最著名、最杰出的畫家之一，美國超級寫實主義繪畫的代表人物。
15歲開始學畫，20歲舉辦個人畫展，長于干筆畫和蛋膠粉畫，作品繼承寫實傳統，又獨樹一幟，頗得人們心靈的共鳴和喜愛，曾先后被三屆美國總統肯尼迪、里根、布什分別授予“總統自由勛章”、“金質總統勛章”和“國會金質章”，2009年1月16日凌晨，懷斯在家中去世，享年91歲。
懷斯延續了曾以愛德華·霍伯為代表的美國地方主義繪畫傳統，并啟發了后來出現于20世紀七、八十年代的美國照相寫實主義繪畫。他與抽象表現派畫家杰克生·帕洛克及雕刻家大衛·史密斯,同為美國藝術界的代表人物，具有崇高的地位。他的畫風對中國80年代的青年油畫家產生了很大影響。
安德魯·懷斯被贊譽為美國懷鄉寫實主義繪畫大師，他以寫實的手法描繪他熟悉的鄉土景物，將視覺經驗加以想象組織，具有濃厚的鄉土色彩，創造出獨特的懷鄉寫實作風。懷斯描繪美國鄉間自然風土人物的畫作，以精致逼真的寫實風格，表現了人與大自然的交流與調和，樸實的題材，引發人們懷念鄉土與自然的情思。
許多人嘆服懷斯高度的造型能力、逼真的寫實技巧、濃郁的美國情調．但懷斯認為他的畫里有另一種內核——一種可以稱為”提煉出的抽象”。他通過自然的表面深入其中，并在作品中加進了自己的主觀理想和愿望，成功地把客觀現實和主觀感受融合在一起，形成了具有深刻內涵的思考性藝術。同時，懷斯被譽為美國“懷鄉寫實主義(nostalgicrealism)”繪畫大師，因為他以寫實手法描繪他熟悉的鄉土景物，將視覺經驗加以想象的組織，有濃厚的鄉土色彩，創造出獨特的懷鄉寫實風格。
《克里斯蒂娜的世界》
本文來自油畫視點，公眾號“第一哲學家”（ID:firstphilosopher)鳴謝
