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藝術很多時候也只是給我們一個啟示，告訴我們狂想也是一種權利，是激發每一個人的表達潛能的有效途徑。——楊小彥
昨天，我看了并轉發了一則楊小彥老師（中山大學新聞與視覺傳播設計學院教授）關于香港巴塞爾藝術展的評論。他是這樣說的：“巴塞爾藝術展結束了，可圍繞著藝術展的民間議論卻余音不斷，欲罷不能。其中最讓我印象深刻的是這樣一種說法，認為西方藝術整個就是陰謀，通過巴塞爾藝術展，用‘他們’的‘看不懂’干掉‘我們’的‘看得懂’，從而達到顛覆的目的。這言論我聽著，背后直冒冷汗，以為一場風暴又要來臨了。當然，言下之意是‘看不懂’意味著亂七八糟兼烏煙瘴氣，‘看得懂’意味著偉大的‘審美’。……難道我們希望去巴塞爾藝術展看的是范冰冰或李冰冰或什么冰冰的漂亮玉照嗎？藝術很多時候也只是給我們一個啟示，告訴我們狂想也是一種權利，是激發每一個人的表達潛能的有效途徑。”
——摘自楊小彥《藝術的“陰謀”》4月3日
作為一個“專業人士”讀著楊教授此番言論，內心還是挺“爽”的，沒想到楊教授言辭犀利，還是一副“老憤青”氣焰。但回頭想來，就算楊老師批評得很對很到位，但絕大部分的中國觀眾確實“看不懂”呀。無論是記者、愛好者還是屌絲群眾，甚至是專業院校里也有一大半的老教授們也總是抱著雙腿，閉著雙眼，對“這些”藝術不予置評的態度，那能怪誰呢？都怪中小學的美術老師們太好欺負了嗎？把每周唯一一節美術課都讓給語、數、英了，是嗎？還是怪父母只懂在古玩市場花幾百塊淘回來的“大花”或“仕女”往家里墻上一掛就是得多“高大上”嗎？還是該怪自己明明市里都有個美術館，還免費參觀的，一年都不去瞧幾回呢？
最近火得一塌糊涂的什么吐槽啊，什么藝術戰爭啊，不就是所謂專業人士抓住了大眾“不懂”和“心里憋得慌”的心理，各種打壓、貶低別人、抬高自己，各種陰謀論。跟100年前人們看到照片時覺得照片會把人的靈魂攝走一樣，這有意義嗎？
所以呢，作為一個藝術工作者，我覺得還是有必要做做藝術的普及工作，讓更多的人能了解認識現在流行的藝術到底是怎么回事，就別再用那套“大花”或“仕女”的“審美標準”去套了。也不要把那套玄乎乎的“看不懂就是藝術”來瞎扯和上綱上線。
首先，我們需要“update”一下藝術的概念。如果你對藝術的概念還是停留在繪畫、雕塑、工藝美術、音樂、文學、戲劇、電影、攝影的話，那當然，當你走進像巴塞爾這樣的博覽會上難免會蒙掉，大部分的作品你都沒法根據以上的類型進行歸類，那（神經）跳線是必然的。如果你想弄懂的話，就非得把20世紀世界藝術近乎“神奇”的發展史活生生的給吃下去不可。但硬吞了下去還是有可能看不太懂。因為21世紀的藝術又在20世紀的各種“主義”、各種“流派”、各種“觀念”之上進行了各種疊加和學科的交叉。那怎么辦呢？因此，為了方便大家理解和記住一些新的創作手法和觀念，于是便列出以下9種我認為是21世紀最流行的視覺藝術語言。
——NO.1——
視錯覺
Optical Illusion
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視錯覺藝術可以說是近年非常流行的創作語言之一，大量運用在壁畫和街頭賣藝作品之中，比如我們經常看到的3D畫，其實就是利用視覺透視的消失點在現實空間里畫出一些意想不到的東西去出乎人們的意料，比如路上突然有個大坑，車經過會“掉下去”，又或者是好好的圍墻有個大窟窿，一只恐龍從里面“探”出頭來，這些都可以被看作是視錯覺。其實視錯覺的概念是源于20世紀三十至四十年代的超現實主義繪畫，代表藝術家有馬格利特、達利以及版畫家埃舍爾。（見下圖）
∧ 馬格利特 作品
∧ 馬格利特 作品
∧ 達利 作品
∧ 達利 作品
∧ 埃舍爾 作品
∧ 埃舍爾 作品
而進入21世紀，這種概念還是不斷地被藝術家所采用和更新，比如奧地利著名攝影師Bela Borsodi 就把日常隨手粘來的物品經過精心的擺設來制造出錯覺的畫面。（見下圖）
∧ Bela Borsodi 作品
∧ Bela Borsodi 作品
當然，這種視錯覺只能局限在某一點上觀看才會有這樣的效果，因而藝術家干脆把裝置以攝影的方法來呈現。而英國藝術家Patrick Hughes 則在特制的“立體”畫布上繪畫，當你在現場觀看就會發現從不同的角度去看都會有所不同，而當你一邊走一邊看時會發現作品是在“動”的，是隨著你的視線角度而變化的。這樣就完全打破了普通3D畫必須站在某一點上觀看的局限性了。
∧ Patrick Hughes 作品
∧ Patrick Hughes 作品
在中國，也有很多藝術家運用視錯覺這種藝術語言來創作，比如楊振中，他的概念更加接近馬格利特對于視錯覺的原始觀點，如他在2011年和2013年的裝置作品《團結萬歲》和《闖入》都運用了這樣的視覺語言。（下圖）
∧ 楊振中作品《團結萬歲》
∧ 楊振中作品《團結萬歲》
∧ 楊振中作品《闖入》
∧ 楊振中作品《闖入》
——NO.2——
材料轉換
Transition
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材料轉換顧名思義就是把原有物品的材質屬性改變了，本來這個并不屬于藝術的討論范疇，但二戰后博伊斯的一系列創作打破人們對“物質”的看法，藝術家也鉆研起材料學來。因此也有藝術家利用其它材料轉換日常常見得物品，比如一個紙箱，一大袋垃圾，當你一摸它卻發現原來是金屬鑄造的，就會驚訝于藝術家是如何做到的，當然這種“制造驚喜”已經不是什么新鮮事了，藝術家現在追求的更是深層次的表達。美國猶太裔藝術家Jeff koons 把氣球扎成的狗放大成金屬鑄造的大型公共雕塑，就是對消費主義文明的冷嘲熱諷。
∧ Jeff koons 作品
∧ Jeff koons 作品
英國藝術家Damien HiRst 用鉆石鑲砌成骷髏頭則是對生命與物質之間關系反思的結果。
∧ Damien HiRst作品
香港藝術家謝淑婷看似是日常布料衣物的作品，其實是陶瓷制成的，通過“燒”這種陶瓷的特有制作方式去傳達她對“記憶”的情感。
∧ 謝淑婷作品《小白三世》
∧ 謝淑婷作品《小紅與小白》
——NO.3——
變體
Variety
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變體就是變形的升級版，變形通常理解為把一個正常體態的人變成很胖或很瘦的造型（比如費爾南多·波特羅和賈科梅第），或是某個局部放大。而變體就是對物體進行不可能的折疊、彎曲、變形，甚至超出常規物理現象的變形。
∧ 費爾南多·波特羅作品
∧ 費爾南多·波特羅作品
∧ 賈科梅第作品《行走的人》作品
∧ 賈科梅第作品
比如印尼藝術家Ichiwan noor 就把甲殼蟲汽車彎曲成一個圓球，加拿大藝術家Evan Penny 喜歡做超寫實的人像雕塑，但他的雕塑不一樣的地方是讓人覺得好像是在“哈哈鏡”里看到的各種扭曲的形象那樣，甚至還有像是脫了紅藍3D眼鏡時看到的形象那樣，卻不是平面的，而是立體的。
∧ Ichiwan noor作品
∧ Ichiwan noor作品
∧ Evan Penny作品
∧ Evan Penny作品
∧ Evan Penny作品
又如中國藝術家李洪波，他的作品看起來跟普通的石膏像雕塑沒有分別，其實他是用疊起來的紙進行雕刻的（石膏→紙的材料轉換）。其實他里面的紙都是用特別方法粘在一起的，可以像風琴一樣拉開變形，因此他是在材料轉換的形式上又疊加了變體的趣味，讓死翹翹的雕塑“活”了起來。
∧ 李洪波作品
∧ 李洪波作品
——NO.4——
小創意
Creativity
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小創意對于大家來說就比較好理解了，通常一說到“創意”就會聯想到“藝術”這詞。我們總說藝術離不開創造，其實“創意”只是“藝術”范疇里的一個區域。不過在諸如巴塞爾這樣的藝術展里，其實運用小創意這樣的藝術語言還是居多的，來自英格蘭的藝術家Charles Avery 的頭像系列把“帽子”和傳統雕塑頭像結合，看上去有點像是無厘頭的硬接讓人會心一笑，卻讓我想起在巴黎街頭總有些“好事者”喜歡向廣場上各種人像雕塑“扣”上各種奇奇怪怪的“帽子”，如雪糕筒、救生圈、足球之類的，再仔細想想，藝術家似乎在表達和“思想”或“思緒”所產生的物質價值有關的東西。
∧ Charles Avery 作品
∧ Charles Avery 作品
美國黑人藝術家Nick Cave 則利用各種物件套在人的身上進行表演或制作成雕塑，除了具有很濃烈的非洲原始藝術色彩造型感外，加入了極其豐富想象力，每個作品的細節都會傳達出他對全球化消費心理的思考和樂觀的態度。
∧ Nick cave 作品
∧ Nick cave 作品
而中國藝術家陳流則采用游戲化卡通的造型結合游戲或傳統故事典故中的人物場景，用嬉笑怒罵的心態去繪出一組組卡通一代式的畫面。屬于東方元素和卡通造型結合的一種小創意。
∧ 陳流作品
∧ 陳流作品
——NO.5——
沉浸氛圍
Immersive
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沉浸式藝術是20世紀80年代來隨著聲、光、電等新媒體藝術出現的一種表現手法，藝術家從關注物體的體積體量轉移到對內空間的關注上，沉浸式氛圍渲染藝術最出名莫過于美國的藝術家Jame Turell 和丹麥藝術家Olafur Eliasson。他們的作品都滲透著藝術家對“人和自然”這一大藝術主題的思考。
∧ Jame Turell 作品
∧ Jame Turell 作品
∧ Olafur Eliasson 作品
∧ Olafur Eliasson 作品
當然，“夢境”也是沉浸氛圍藝術的一大主題，韓國有很多藝術家都很專注和擅長于這種“造景”藝術，可能與他們對東方藝術語言的理解有關吧，其中Jee younng lee 的造景技藝就非常奪人眼球，她的作品能迷倒不少90后。
∧ Jee younng lee 作品
∧ Jee younng lee 作品
——NO.6——
涂鴉
Graffiti
▼
涂鴉藝術我認為其實是一個老話題了，它是出現在20世紀50-60年代的紐約，并迅速蔓延到全球的一種藝術效應，在這里面匿名、放任不羈與闖禁是這種藝術的宗旨，沒有人愿意爭當涂鴉的英雄，可是在地下成名的涂鴉英雄往往載入藝術史冊。到了21世紀，涂鴉還有什么可說的呢？這正是藝術演化的巧妙之處。21世紀的涂鴉是否合法化其實已經不再重要了，更重要的是，是否有必要不斷重復，不斷繼續讓美式涂鴉“傳染”到世界每一個角落，所以我們看到很多藝術家其實已經在尋找新的語言和涂鴉結合，如 Akash Nihalani 的創作就與“視錯覺”“小創意”和后面將會降到的“調侃”相結合，Julien De Casabianca 發起的出逃博物館計劃“Outings Project” 則是把精致藝術與街頭藝術融合在一起來“調侃”一下精致藝術，強化“大藝術”的精神。
∧ akash nihalani 作品
∧ akash nihalani 作品
∧ Julien de casabianca 作品
∧ Julien de casabianca 作品
中國藝術家歐飛鴻也是使用“調侃”的方式進行涂鴉，不過他更具東方色彩和“東方文化內涵”。
∧ 歐飛鴻 作品
∧ 歐飛鴻 作品
——NO.7——
調侃
Ridicule
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調侃似乎是街頭獨有的“低俗”手段，其實并非這樣。說到調侃我們很容易會想起昆訂·塔倫蒂諾、馮小剛或者是周星馳的電影，這種大眾語言實在是不難理解，但轉換到不用文字語言，而是純視覺語言就會完全不是一回事了。但當然，這離不開從諷刺式漫畫的幽默中演化過來的視覺語言技巧。德國藝術家Erwin Wrum 不但是一個做變體藝術的天才雕塑家，近年他創作的“一分鐘雕塑”更是把他對藝術和生活的“幽默感”發揮得淋漓盡致。攝影師Machael Wolf 的調侃方式有點像“出逃博物館”計劃，他的大芬村系列，把行畫手藝人和他們抄襲的“杰作”與她們所在的創作環境并置在照片里，產生“魔幻現實主義”的化學反應。中國女藝術家段建宇的繪畫作品用她獨特的媚俗審美畫風也把現實生活情景“調侃”得“赤裸裸”的。
∧ Erwin wrum 作品
∧ Erwin wrum 作品
∧ machael wOlf 作品
∧ machael wOlf 作品
∧ 段建宇 作品
∧ 段建宇 作品
——NO.8——
文本
Textuality
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最后這兩種視覺語言相對來說可能會比較難理解，因為前7者都相對地有形，而第8種“文本”和第9種“肢體語言”就顯得有點摸不著頭腦了。先說文本吧，文本是從語言文學延伸出來的分科，最初和藝術沒有半毛錢的關系，可是藝術家聰明地發現，藝術的表達其實大多數是希望觀眾能理解藝術家的初衷，但往往過于復雜的藝術語言和隱含的信息往往令觀者不明甚解，倒不如用文字表達來得直接，于是藝術家便“借用”了文本這個概念。不過我覺得有時藝術家想說的東西即使變成純文字還是很難理解的，不是嗎？這里我舉出三個相對好理解的藝術家給大家參考：Robert Indiana，與其說他的作品是文本，倒不如說是“藝術字”，不過他用波普藝術的方式把文本通俗化和符號化，我認為這是比“藝術字”要高明的地方。Tracy emin， 我覺得她的表達更加直接，是什么就是什么，但這樣就是藝術嗎？很多人都會表示懷疑。這讓我想起了最早在藝術作品上運用“文本”的藝術家馬格利特和杜尚，馬格利特在他畫了個煙斗的作品上寫了一句話“Ceci n’est pas une pipe”（這不是一個煙斗），結果觀眾就蒙了，畫家究竟在搞什么飛機，這明明就是個煙斗呀！而杜尚在“調侃”蒙娜麗莎的海報里寫上“L、H、O、O、Q”意思是“Elle a chaud au cul”（她的屁股很熱辣）似乎嘲笑達芬奇的性趣，同樣讓觀眾摸不清頭腦。最直接的方式，反而是最摸不著頭腦的！
∧ Robert Indiana 作品
∧ Robert Indiana 作品
∧ Tracy emin 作品
∧ Tracy emin 作品
∧ 馬格利特（這不是一個煙斗）
∧ 杜尚 作品
∧ 杜尚 作品
還有徐冰的“天書”借用中國（或東方）的四方字形結構來書寫西方語言，更是讓很多人摸不著頭腦了，只不過他運用了一些有趣的形式感讓他的“創造“似乎變得更藝術一些，然而核心的”文本“依然是無論東方人，還是西方人都難以讀取的，這可能就是徐冰本人對于東西語言隔閡的理解和表達。
∧ 徐冰 作品
∧ 徐冰 作品
——NO.9——
肢體語言
Body Language
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最后一種，就是肢體語言，這是近三十年來最難被人們接受的一種藝術種類“行為藝術“的表達方式。
我真的不明白為什么這么難理解，尤其對于中國人，為什么大家都很明白武俠小說里的“無招勝有招”“手中無劍，心中有劍，無劍勝有劍”的境界，卻理解不了行為藝術的造詣？藝術就非得用畫筆畫畫，或者一種固定呈現的載體嗎？阿布拉莫維奇就不用我多說了，我建議大家可以像看小說一樣看看她的行為藝術的故事，我就不攤開說了。另外，Bill Viola 也是我很推崇的藝術家，雖然他把行為轉化成影像藝術，但他對于肢體語言帶給觀眾的心里感受是非常直接和震撼的。還有中國女藝術家曹斐的錄像和現場表演把中國人身份就肢體表達與全球化社會背景結合起來所形成的反差也很能體現肢體語言作為一種人類共同語言的共通性。當然，藝術真正也是起到這樣的作用。
∧ bill viola作品（片段）
∧ Bill Viola作品（片段）
∧ 曹斐（片段）
∧ 曹斐（片段）
總括這9種我認為最流行的視覺藝術語言，即使我不做任何解釋，它們都會慢慢被人們接受的，只是時間的問題。因為這些藝術語言其實都是從生活中提取出來的，它們之間的相互交錯，交融也是現實生活的體現。藝術語言從單一走向復雜，正如回歸前的香港人已經習慣了把熟練的英語與母語的廣東話混在一起講一樣，到了回歸后大家必須學普通話時，又把普通話混進來，雖然有點“三不象”，但是大家都能聽得懂，并形成一種新的語言。無獨有偶，加拿大的魁北克也是英語和法語混合出來的結果。這個世界，有人堅持血統純潔性，有人喜歡混合多元性又有什么好出奇和難以接受的呢？
這就是藝術的態度！
本文作者：龍邃洋
