1897年，泰特美術館（The Tate Gallery）首次對外開放，當時只有一個收藏了極少部分的英國作品的展館，而現如今已發展成為四個美術館的總和——位于倫敦的泰特不列顛美術館、泰特現代美術館、泰特利物浦美術館，以及泰特圣艾伍茲美術館。
泰特現代藝術美術館位于泰晤士河南岸，與圣保羅大教堂隔岸相望，連接它們的是橫跨泰晤士河的千禧大橋。外表由褐色磚墻覆蓋、內部是鋼筋結構的美術館原本是一座氣勢宏大的發電廠，高聳入云的大煙囪是它的標志，是瑞士建筑師的杰作。
泰特美術館三樓的咖啡廳望去是千禧橋和圣保羅大教堂 。
高聳入云的大煙囪是它的標志。
夜景
入口下方，仰望高塔。這個原來電廠的煙囪高達99米，使得與圣保羅大教堂隔河相望的這座前工業建筑具有不輸教堂的恢弘氣質。工業建筑也不總是枯燥無味，細看紅磚肌理豐富細膩。
泰特的一層并沒有明顯的大門，是開放式的入口。它與周圍城市和廣場自然銜接，連地面鋪裝都像是室外廣場。
一顆超級大重力球。
這個大廳便是著名的渦旋廳（Turbine Hall），它是由原先巨大的渦輪車間改造而成的，既可舉行小型聚會、擺放藝術品，又具有主要通道和集散地的功能。
紀念品店幾乎就是一個剔透的水晶盒子，問訊處等公共功能也分布在這附近。走廊更像是街道。
最有特色的旋轉樓梯。
泰特現代美術館總共分為7層（0-6層），藝術收藏品及展覽集中在2，3，4層，它們揭示了國際性現代藝術的多樣性，聚焦在這個主要的藝術運動并探索現代藝術的起源和當代的藝術家們對此的回應。 第2，3層，既有免費入內參觀的收藏永久性藏品的展廳，也有付費的階段性的展覽，這些展覽基本上都是來自世界各地的著名當代藝術家的個展。
泰特現代美術館正在舉辦首次畢加索個展：“畢加索1932——愛情、名望、悲劇”(The EY Exhibition Picasso 1932 – Love，Fame，Tragedy)。展出時間2018年3月8日 - 9月9日 票價￡20。
此次展出呈現了畢加索在1932年間的作品，展覽以1932年的每一天為序，將藝術家每天的“興趣、活動與人際關系”一一呈現，雖為小切入口，卻能挖掘得極其深入，或許能給觀眾提供一個認識更為立體豐滿的畢加索的機會，解構1932年在畢加索傳奇中的意義。其中包括大量繪畫、雕塑等，數量超過100件。
1932年，是畢加索的藝術生涯關鍵的“奇跡之年”（year of wonders），他的繪畫達到了一種新的高度。時年50歲的他在巴黎舉行了首個回顧展，并在9月巡展至蘇黎世美術館；期間還出版了首卷大型編年畫冊；同年12月，超現實主義雜志對其工作室進行拍攝。感情生活也間接導致了畢加索在這一年的多產，在這一年中，畢加索創作力超過300幅作品，包括了風景、抽象人體、裸女，材料上涵蓋了速寫、油畫、攝影和雕塑。而畢加索自己曾說這些作品同他的個人生活經歷密不可分，“我創作作品就像在寫一部個人自傳”，并在這一年聲名鵲起，成為20世紀早期最具影響力的藝術家。
其中不少以他情人瑪麗-特蕾茲·沃爾特為對象的肖像畫，透過作品，可以看到畢加索對情人的愛戀，以及在妻子與情人間的矛盾和掙扎。
1904年，畢加索與波希米亞的模特費爾南德于一場暴雨中相遇，并很快墮入愛河，他們在蒙馬特高地被稱為“洗衣船”的小閣樓上同居了。畢加索開始了他的“玫瑰時期”，浪漫的粉紅色取代了憂郁的藍色。
《婦女頭像（費爾南德）》，1909
最初以粘土捏塑，后來被鑄成了青銅作品。1909年，畢加索在西班牙奧爾塔度過了夏天，并畫下了大量費爾南德的畫像，《婦女頭像》也作于這期間。《婦女頭像》以立體主義的原則和非洲民間木雕的幾何化手法，將人物的五官組構成交織的幾何形體，是依據畢加索立體主義造型理論探索出的雕塑作品。
1911年，畢加索遇見了艾娃·谷維，對費爾南德愈發冷淡。不久后，費爾南德離開了他，跟隨一名意大利畫家私奔了。1912年，艾娃的介入終結了畢加索和費爾南德的感情。這一年，畢加索還開始了“綜合立體主義”的探索，以拼貼畫的方式表達對艾娃的愛意。艾娃帶給畢加索安定和愉悅，可惜紅顏薄命，1915年因病去世。畢加索這一時期的《J’aime Eva(我愛艾娃)》等畫作都表達了對艾娃的摯愛之情。
奧爾嘉·科克洛娃。她出身于沙俄烏克蘭軍官家庭，身份高貴，受過貴族教育。1918年兩人正式結婚，成為畢加索第一任妻子。畢加索也借老婆的社交圈成功混進了上流社會。由于奧爾嘉是個超級愛古典畫派的人，于是畢加索投其所好，畫畫也進入了新古典主義時期。
據說當45歲的畢加索在巴黎地鐵站偶遇17歲的Walter時，激動地拉住少女，告訴她：我是畢加索！你和我將一起去做偉大的事情。果然，藝術家的嗅覺靈敏異常，那些關于情人的作品都為其帶來了巨大的財富和名望。
這段神秘的地下情維持了八年的時間，即使畢加索身旁的眾多密友都一無所知。直到1935年，畢加索的妻子奧加不僅發現了丈夫有了一位情婦，那個時候瑪麗已經有了六個月的身孕。奧加憤怒至極，帶著兒子搬離了他們在巴黎的公寓，并向畢加索提出離婚。畢加索不但沒有與原配奧加離婚，還逐漸對瑪麗生厭了。 1940年，瑪麗離開了畢加索，她帶著年幼的女兒移居巴黎。雖然畢加索和攝影師多拉陷入新的戀情，但是他仍舊畫了很長一段時間的瑪麗。因為女兒瑪雅，畢加索時常去探望她們母女。癡情的瑪麗在離開畢加索之后沒有結婚，她仍然充滿激情的給畢加索寄去一封封熱情澎湃的情書。
可是在1955年，當畢加索的原配奧加去世的當天，畢加索立刻打電話向瑪麗求婚，卻被她拒絕了，并停止與畢加索通信。可是這個男人在她生命中的印記已經無法褪去。瑪麗的青春完全被畢加索占據，而后的一生也都充滿他的陰影。
1977年，在畢加索去世后四年，瑪麗選擇在他生日的時候，在車庫里自縊，結束了她悲情又傳奇的一生。
本次展覽中最引人注目的作品是畢加索在5天內完成的3幅油畫——《裸體、綠葉和半身像》、《黑色扶手椅上的裸體》和《鏡子》，這3幅油畫均以瑪麗-特蕾茲·沃爾特為原型創作
《裸體、綠葉和半身像》2010年5月5日，在紐約拍出1.06億美元的天價。身體雖已扭曲變形，卻顯得青春豐美且充滿吸引力。女體的上方，是瑪麗的石膏頭像，散發溫柔的光芒。畫面左方有一株從女子身上長出象征青春活力的三葉草。頭像與綠葉背后，懸掛著藍色布簾，布簾圍繞著熟睡的瑪麗，形成一個安全的空間。沉浸在愛情里的畢卡索，將心中所感受到的歡愉與柔情蜜意都表現在畫里，賦予瑪麗愛神般美麗的形象。
《黑色扶手椅上的裸體》
《鏡子》
則將鏡子的妙用發揮到極至。這幅畫畫的也是瑪麗·特蕾絲，她也許是畢加索的所有情人中用情最深，也是畢加索最深愛的女子。他為她畫了一生中最美麗的圖畫：幾乎全部都是這位瑪麗·特蕾絲！畫中的特蕾絲柔軟似小鳥，她只有上半身出現在前景里，不過，畢加索用了一面鏡子，就將她無比曼妙的身影較為完整地呈現出來了。
《夢》（The Dream）是第一次在英國展出，畫面描繪了睡夢中的沃爾特，在一盞明亮曖昧的燈下，金發女郎將腦袋靠在一側肩膀上，不知不覺地睡著，散發出閑適、慵懶的氣息。女人肢體沒有作更大分解，只稍稍做了夸張劃分，用線條輪廓勾畫女人體，并置于一塊紅色背景前，色彩極其單純。這幅作于1932年的繪畫，可以說是畢加索對精神與肉體的愛的最完美體現。2013年3月，美國投資家史蒂芬·科恩以1.55億美元買下這幅油畫，是迄今成交價第二高的畢加索畫作，本次展覽專門從藏家手中將這幅作品借出。
《鏡前的少女》也是耐人尋味的立體主義，但重在平面分解。女人的各個局部予以幾何化，并規范成各種圓形:圓形有臉、鏡子、乳房、臀部和圓形鏡中的反映物，鏡中鏡外的圓形構成，成了富有裝飾趣味的圓形圖案。鏡前的女子很漂亮，既能看到背面也能看到正面。除了鏡子的功能，鏡前的那位少女已經是帶有畢加索商標的作品：即半張側面臉與半張正面臉呈90度弧角的疊加。這種形象依畢加索自述，為一個少女“同時著衣、裸體、且受X光透視”的三種態勢。
《紅色扶手椅上的裸女》
在畢加索為其情人創作的上百幅畫作中，這一幅畫無疑是最美最溫柔的。作品創作于她23歲生日不久后的夏天。
在女兒瑪雅兩個月大的時候，畢加索再次出軌，這次他愛上了美貌和才華兼具的先鋒攝影師多拉。畢加索可以同她暢談藝術，多拉甚至從攝影的角度，為畢加索的創作提供了許多新思路。
1935年的多拉。
1937年畢加索畫的多拉。
畢加索經常毆打她，并聲稱多拉哭泣的臉給了他更多靈感。1945年，畢加索的肖像畫中幾乎都是新歡，Dora精神崩潰，時不時想要自殺。與此同時，她最好的朋友也去世了，雪上加霜。畢加索不得不把她送進醫院，對她進行了為期三周的電擊治療。出院后，Dora再也沒有回到畢加索的身邊，他們正式分手。與Dora Maar在一起的十年，是畢加索畫風的成熟期和高峰期，他們一起經歷了西班牙內戰和二戰，Dora給了愛人無限靈感，很多人認為，如果沒有她，畢加索達不到今天的高度。
《哭泣的女人》
該作品畫面上是一張看上去雜亂無章的面孔，眼睛、鼻子、嘴唇完全錯位擺放，面部輪廓結構也全被扭曲、切割得支離破碎 。該作品中，畫中女子的眼里看起來好像有黑色的星星，但細細看來，它們其實是西班牙城鎮格爾尼卡上空徘徊著的正在空投戰備物資的轟炸機。她的嘴唇因痛苦而緊皺，蒼白如骨，牙齒緊咬手帕，帶著死氣的綠色和黃色浸染了她的臉頰。淚珠滾滾，匯聚成河，化作她的發。一只昆蟲正舔舐著從她眼中淌出的溪流。作品表現了底層社會人們肝腸寸斷、痛苦無助的景象。該作是畢加索融合了立體主義與超現實風格的代表作。
《沙灘上的女人》
《拿匕首的女人》
自畫像
在1932年年底，畢加索受馬蒂亞斯·格呂內瓦爾德(的《伊森海姆祭壇畫》影響，開始了一系列黑白水彩畫的創作。他將這些可怕的畫面變為了一群睡著的女人，田園牧歌式的想象與恐怖相伴而來。
到了1932年底，他的作品中出現了新的主題，其中有幾件顯示淹沒和被救出的人物。相信這可能是由Marie-Therese生病的狀態引發的（她曾經感染過嚴重的病毒，并且在污染的馬恩河中游泳后暫時失去了頭發）。
《拯救》
受害者宛如仙女。畫作中再次出現了淡淡的蘭花紫色：這是瑪麗·泰瑞絲的標志性色彩。
《斜倚的裸女》
女性甚至變幻成為章魚的形態，用觸角纏繞著人骨；也有著沒有嘴唇只露出牙齒的可怕女性形象。盡管畢加索拒絕對他貼上的任何標簽，他作品中確實涉及到超現實主義并借助佛洛伊德的精神分析。同時展出的作品中的確能看出在他在童年死亡的妹妹和破碎婚姻給他心理帶來的影響。
其它畫作。
畢加索雕塑作品
弗朗索瓦絲·吉洛
畢加索在1943年遇到弗朗索瓦絲，并于1946年和她定居法國南部。弗朗索瓦絲為他生了兩個孩子：克洛德和帕洛瑪。7年后，弗朗索瓦絲帶著兩個孩子離開了畢加索，并于1964年出版回憶錄造成兩人決裂。畢加索為她畫了《Buste de Francoise(弗朗索瓦絲半身像)》等作品。
《Buste de Francoise(弗朗索瓦絲半身像)》2011年6月21日佳士得Christie's倫敦拍賣會拍得1,070萬英鎊。
1953年，70多歲的畢加索認識了26歲的雅克琳Jacqueline并于1961年完婚，成為畢加索第二任妻子。
與之前的才女情人不同，雅克琳沒有多少文化，是個普通女性，從此以后，雅克琳是畢加索唯一的模特，他為她作畫的數量，最終超過了Dora Maar，成為留存肖像畫最多的女性。 從那時起，大師的一切都由雅克琳決定。對于年邁的畢加索來說，她兼具母親、朋友和情人；對于終有依靠的雅克琳來說，畢加索是她的一切，兼具老師、丈夫和孩子，她全心全意的關心他、照顧他。
1973年，畢加索逝世，雅克琳和大師的孩子們展開了長達七年的遺產爭奪之戰。但不論如何，雅克琳和他的孩子們最終達成了一致，在巴黎建立畢加索博物館，他們要向全世界展示大師的作品，讓他的精神發揚光大。
雅克琳生前沒有賣出畢加索的任何作品。她整理出來他的作品，捐給了新建立的畢加索博物館；她把他生前的收藏——塞尚、高更、雷阿諾、馬蒂斯、米羅、莫蒂里安尼等大師的作品捐給了盧浮宮。
她一直想念畢加索，無法擺脫失去他的孤獨。她說：“失去了畢加索，我的生命就失去了意義。”畢加索去世13年后，1986年的一個凌晨，雅克琳躺在床上，從抽屜取出左輪手槍，對準自己的太陽穴，扣動了扳機，她自殺身亡。
結論：她們都是美好的女人。而大師，也是一個值得愛的男人。
特納的作品被陳列在側面一個叫丁香館的獨立展區，走進丁香館，首先是特納24歲時的自畫像。
這幅《海難》繪于1805年，畫面中的幾艘船正與洶涌的波濤搏斗。可以看出這一時期的作品非常寫實，無論是白色的波浪還是驚恐的船員都表現得生動細致。
《跨過溪流》創作于1815年，那一年正值英法交戰的關鍵時刻。英軍取得滑鐵盧戰役的勝利后，極大地激發了國民的愛國熱情，這幅畫也表達了對祖國山河的熱愛。
《迦太基帝國的衰落》繪制于1817年。這種人物在畫中只占很小比例而以風景為主的構圖方式讓人想起法國風景畫家克勞德·洛蘭，我們在國家美術館看過洛蘭的《圣烏爾蘇拉在港口登船》便是如此。畫家用落日象征帝國的衰落，讓人想起國家美術館中看到過的《無畏號戰艦》。特納畫這幅畫還有一層寓意，1815年拿破侖兵敗滑鐵盧，一個曾經不可一世的帝國無可避免地走向衰亡，而迦太基帝國的衰落可以看作是以史鑒今。
《英格蘭：里奇蒙德山，于攝政王官方生日當天》繪于1819年，畫的是站在里奇蒙德山西望的美麗景色。標題所說的攝政王即是后來的喬治四世，他在喬治三世73歲健康惡化時出任攝政王。這位攝政王的生日本該是4月15日，但是英國自喬治二世（George II，1683-1760）起開創了將私人生日與官方生日分開的習俗。所謂“官方生日”是官方指定一個用于全國人民為國王慶生的日期，比如當今英國女王伊麗莎白二世的私人生日在4月而官方生日在6月。我們這里講的攝政王的官方生日是4月23日，與英格蘭國慶日“圣喬治日”是同一天，這樣二合一慶祝起來也方便。巧的是，4月23日也是特納自己的生日，所以這幅畫也算是畫家自己的生日之作。
這幅《諾勒姆城堡，日出》繪制于1845年。畫家已是古稀之年，可以看出這一時期特納的畫風變得非常寫意。畫面中的景物只剩下一個輪廓，留給觀眾的是一種光影的感受。一切是那么的安靜祥和，淺灘中的馬兒形單影只，似乎表達出畫家淡然而略顯孤寂的內心。
美術館的主展區按年代順序布展，首個展廳從16世紀的英國繪畫開始，但其實直到18世紀英國都沒出什么值得稱道的著名畫家，因此我們要看的重點實際是從18世紀展廳開始的。頭一個要介紹的是英國首位風俗畫家，西方連環漫畫的先驅，被稱為“現代卡通畫之父”的威廉·荷加斯。他是英國第一位在歐洲贏得聲譽并富于民族特色的畫家。這幅《畫家和他的哈巴狗》是他的自畫像，他將自己繪制在一個畫框里望向觀眾，他的狗則對一切漠不關心。畫框前的調色板上有條S曲線，是他在美學著作《美的分析》（歐洲美學史上第一部關于形式分析的美學專著）中提出的“美的線條”。根據他的理論，S線比直線、平行線或直角線更有活力，更能激起注意。
這幅《老英格蘭的烤牛肉》繪于1748年，背景是法國加萊的城門。那一年，荷加斯去加萊旅游，當他對著城門寫生時被法國士兵當作英國間諜抓了起來，畫中最左邊跟在士兵身后的便是荷加斯本人。畫面中間一個廚師抱著牛肉準備去給英國游客做他們愛吃的烤牛肉，旁邊胖得流油的修士和瘦如麻桿衣衫襤褸的士兵形成鮮明對比，但他們都對廚師懷中的大塊牛肉垂涎欲滴。畫家刻意用這個標題表現英國人生活的富足，即便到法國旅游也能吃上法國人自己都吃不起的老英格蘭的烤牛肉。
庚斯博羅是18世紀英國最偉大的畫家，這幅《拖貨車的馬在溪中飲水》創作于1760年，是這位畫家比較少見的風景畫。表現一家農民在忙碌一天后，趕著馬車回家途中讓馬匹在溪中飲水。庚斯博羅曾長期在鄉間生活，這里也表達出他對那段生活的一種思念。
雷諾茲的作品。這幅《裝飾海曼像的三個貴婦人》以蒙哥馬利爵士的三個女兒為模特，表現她們用花環裝飾希臘婚姻之神海曼的雕像。雷諾茲一直想畫高尚的歷史題材，但迫于生計只能接更多的肖像畫，因此他煞費苦心地將二者結合起來。此畫中他把三位女士打扮成希臘女祭司，因作品為中間那位女士的未婚夫為其婚禮訂制，因此選擇裝飾婚姻女神雕像的主題，表現出對婚姻的敬意。
《阿克蘭上校和悉尼勛爵》更是一幅將肖像畫與歷史題材相結合的范例。雷諾茲讓兩位年輕貴族身著中世紀服裝，做出射箭的動作，仿佛歷史中的兩名英勇的騎士。
在這幅《扮作亨利八世模樣的小克魯》中，雷諾茲干脆讓年僅三歲的約翰·克魯擺出亨利八世的經典姿勢，既滿足了畫家自己對歷史題材的追求，也達到了奉承主顧的目的。
除了純粹的英國本土畫家外，這里也有一些僑居英國的外國畫家的作品，比如卡納萊托。他1746年來到倫敦，一住就是9年。這幅畫創作于1750年，描繪的是從泰晤士河畔眺望對岸的格林尼治。對岸的建筑是克里斯多佛·雷恩設計的皇家海軍醫院（現為舊皇家海軍學院），遠處山上是雷恩設計的皇家天文臺。
泰特現代美術館專門收藏20世紀現代藝術，畢加索、馬蒂斯、安迪瓦豪、蒙德里安、達利的作品吸引全世界的觀眾前來觀賞，美術館并未按傳統的年代編排方式陳列它的藝術品，而是把藝術品分成四大類，分別擺放在3樓和5樓的展廳內。這四大類是：歷史-記憶-社會、裸體人像-行動-身體、風景-材料-環境、靜物-實物-真實的生活。這種割破歷史脈絡的陳列方式使得觀眾在同一個空間與時間與不同年代圍繞同一主題創作的藝術品相遇，人們在觀看莫奈的大型壁畫“睡蓮”的同時可以瞥見身旁的Richard Long創作于1991年的石頭陣。不同的藝術思維和創作手段在此直接碰撞，這正是泰特現代美術館的高明之處，也是它指引人們思考藝術的的精神魅力所在。
莫奈的大型壁畫“睡蓮”
亨利·馬蒂斯《蝸牛》
彼埃·蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian，1872年3月7日-1944年2月1日），荷蘭畫家，風格派運動幕后藝術家和非具象繪畫的創始者之一，對后代的建筑、設計等影響很大。以幾何圖形為繪畫的基本元素。
瓦西里·康定斯基（Василий Кандинский），出生于俄羅斯的畫家和美術理論家，康定斯基被認為是抽象藝術的先驅。
達利是一位具有卓越天才和想象力的畫家。把夢境的主觀世界變成客觀而令人激動的形象方面，他對超現實主義、對20世紀的藝術做出了嚴肅認真的貢獻。達利的一生充滿了傳奇色彩。除了他的繪畫，他的文章、口才、動作、相貌以及胡須均給欣賞他的人們留下了撲朔迷離的印象。
達利年輕時在馬德里和巴塞羅那學習美術，曾兼收并蓄多種藝術風格，顯示出作為畫家的非凡技能。但是，直到20世紀20年代末期，才由兩件事情促使其畫風日臻成熟。
一是他發現了弗洛伊德對于潛意識意象的重要著作；
二是他結交了一群才華橫溢的巴黎超現實主義者，這群藝術家和作家努力證明人的潛意識是超乎理性之上的“更為重大的現實”。
達利《秋天食人魔》
安迪·沃霍爾（Andy Warhol,1928.8.6－1987.2.22，港臺地區譯為安迪?沃荷）被譽為20世紀藝術界最有名的人物之一，是波普藝術的倡導者和領袖，也是對波普藝術影響最大的藝術家。他大膽嘗試凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技術、照片投影等各種復制技法。
沃霍爾除了是波普藝術的領袖人物，他還是電影制片人、作家、搖滾樂作曲者、出版商，是紐約社交界、藝術界大紅大紫的明星式藝術家。繪于1805年，畫面中的幾艘船正與洶涌的波濤搏斗。可以看出這一時期的作品非常寫實，無論是白色的波浪還是驚恐的船員都表現得生動細致。
2014年，作品毛澤東畫像在英國以760萬英鎊（約合人民幣7663萬元）的高價被拍賣 。
雕塑
在泰特，現代藝術沒有邊界和束縛，這里可以看到用各種材料來涂抹、來堆砌、來“破壞”的作品。這里給人一種強烈的感覺，只要你有想象力，有創造力，任何材料都可以用來建造你的藝術王國。
各個年代的收錄機，放出不同的音響。
媒體藝術之父：白南淮（Nam June Paik）白南準是堪稱典范的激浪派藝術家。在1945年以后興起的最重要的先鋒派藝術——音樂先鋒派、電影先鋒派、行為先鋒派和媒體先鋒派中，他是一位核心成員。在所有這些活動中游刃有余的背后，是他對模擬技術和數碼技術的濃厚興趣。
馬賽杜尚Marcel Duchamp
這件作品是在1917年，杜尚將一個從商店買來男用小便池起名為《噴泉》，匿名送到美國獨立藝術家展覽要求作為藝術品展出，成為現代藝術史上里程碑式的事件。杜尚之所以把小便池命名為《噴泉》，除了他確實是水淋淋的外表之外，也是對藝術大師們所畫的《泉》的諷刺。
泰特現代藝術美術館讓我重新認識現代藝術和現代藝術家們。
