繪畫是中國傳統藝術中的重要門類，從新石器時代彩陶文化中的繪畫遺存算起，迄今已經有幾千年的發展歷程了。其中成就最大、對中國文化藝術影響最深遠的是中國畫。中國畫簡稱“國畫”，它是用毛筆、墨和中國畫顏料在特制的宣紙或絹上作畫，按照題材可分為人物畫、山水畫和花鳥畫；按照技法可分為工筆畫和寫意畫。在國畫成熟以前，中國繪畫還有巖畫、帛畫、壁畫等樣式。
中國畫將詩、書、畫、印熔鑄為一體，是集中了中國傳統藝術諸種門類的高度綜合的藝術。詩、書、畫、印結合，相互輝映，既豐富了畫面的內容，又深化了畫面的境界，給人以更多的審美享受。
在宋代以前，畫面上很少題字；偶然有之，也只是在不顯眼的角落里，寫著作者的姓名。到了宋代，才有一些詩人兼書法家的畫家，在自己的畫作上寫一段題記或詩歌，說明作畫的起因，抒發自己的懷抱。直至元代，畫作上開始鈐蓋印章，于是詩、書、畫、印就像四個孿生姐妹一樣，形影不離地結合起來了。
元·趙孟頫《紅衣羅漢圖》
詩、書、畫、印的完美結合，體現出畫家綜合的藝術修養。
中國畫中書寫畫家的名款叫作“落款”，大致相當于西方繪畫中作者的簽名，表明對作品的所有權。除了畫家名款，還可以在作品上寫其他的題字：可以寫一個題目，一行自己想說的話，或一首詩、一段散文。題字是門很有學問的藝術，不能隨隨便便，要體現畫家的文學修養。題字的內容要與畫面有著內在的聯系，讓觀畫者通過題字見景生情、抒發胸懷；或者引導觀畫者以畫為橋梁，生發開去，另拓天地，感念歷史的浩蕩或人生的哲理。除了內容的要求，題字對書法有特別高的要求。書法的風格、字體的選擇等，必須與畫面統一、和諧，以增加畫面的美感。這就對畫家提出了更高的要求：他同時也須是一個書法家。
唐·韓《五牛圖》（局部）
宋代，很多文人也紛紛拿起畫筆。他們喜歡在畫作上題寫詩歌，借以引發觀畫者的聯想，深化詩歌的意境。繪畫表現的事物直觀而具體，但受時間和空間限制，只能選取某一瞬間來描繪。詩則不受時間和空間的限制，可以寫事物在不同時間、不同地點的發展變化，天上地下，古往今來，東西南北，自由馳騁，容量比畫大得多。詩與畫結合，使靜止的畫面活躍起來，畫面的容量膨脹起來。而詩也有了形象的憑借，想象的依托。因此，詩與畫的結合使二者交相生輝。
中國畫很重視空白的作用，虛實相生；同時又大量運用水墨來表現物象，顏色相對單一。這樣，在一幅中國畫上鈐蓋朱紅色的印章，就能有效地調節畫面的布局，豐富畫面的色調。我們看一幅中國畫，上面常常有許多印章。這些印章鈐蓋的位置、印章文字的內容以及印章篆刻的風格，都有特定的講究。
現代· 齊白石《蜻蜓戲水圖》
畫中的空白使人想起茫茫湖水和天邊的云，這就是虛實相生的運用。
中國畫強調意象的描繪，注重意境的營造。這里說的“象”，指的是客觀的物象；“意”，指的是畫家的思想、感情、理想。客觀物象浸染了畫家的思想感情，就帶上了主觀的色彩，成為畫家要表現的藝術形象，這才是“物象”。同樣是描繪黃山風景，有人依葫蘆畫瓢，這只能是表現黃山的“物象”。有人不僅觀察到了黃山的外形，并且領悟到了黃山的氣質和生命。在他們審美的眼睛里，黃山就像人一樣，有飛揚的神情，有雄渾的動勢。云和水的流動，或洶涌澎湃，或靜水微波，或飛流直下，或清泉細流，都是有生命的。經過審美眼睛的觀照，黃山才成為畫家筆下的“意象”。在這基礎上，畫家把種種意象經過集中、篩選、加工、改造，融進自己的審美感受、審美理想，用藝術手法高度概括、充分表現出來，就成為“意境”。有無意境是評判中國畫水平高低的一個重要標準。您在欣賞一幅畫時，如果在一山一水、一草一木之外引不出更深遠的想象，觸摸不到畫家的脈搏，這就是畫家的失敗了。
現代·張大千《廬山圖》（局部）
廬山這個“ 物象” 經過畫家的提煉，成為畫家筆下的“意象”。
中國畫最基本的造型方法是筆墨。生動的筆墨是中國畫的繪畫語言，它講求筆法和墨法的美，講求筆情墨趣。熟悉了西方繪畫語言的朋友，剛剛接觸中國畫時常常不容易看懂，原因就是兩種繪畫體系運用的“語言”不同。西方繪畫以色彩見長，用的是油彩、水彩、油畫筆、水彩筆。它要求畫家有一雙對色彩非常敏銳的眼睛，以色彩為媒介，用豐富的色彩表達描繪的對象。中國畫則以線條見長，用的是中國的筆、墨、紙、色。它要求畫家頭腦中有無窮的詩情畫意，以毛筆、墨、宣紙、中國畫顏料為媒介，以意成象。生動的筆墨不但描繪出具體的物象，也生成抽象的氣韻和意境。
明·徐渭 《牡丹礁石圖》筆墨淋漓瀟灑，
痛快酣暢，體現出畫家水墨畫的高度技巧
